Poucas pinturas de Artemisia Gentileschi geraram tanta discussão sobre a agência e o olhar feminino quanto sua Susana e os Anciãos de 1639. Ao contrário de muitos artistas de sua época, Gentileschi retornou a esse tema várias vezes ao longo de sua carreira, cada versão refletindo uma abordagem diferente da história bíblica e de sua própria vida como mulher pintora em um mundo dominado por homens. A pintura de 1639 se destaca por sua intensidade psicológica e pela forma como centra a angústia de Susana, uma escolha que levou muitos a vê-la como uma declaração pessoal da própria artista. No coração da imagem, Susana se afasta dos dois anciãos lascivos, seu corpo tenso e seu rosto virado em medo e desgosto enquanto eles se aproximam dela.

O momento é de ameaça e violação: os anciãos, juízes respeitados, encurralaram a jovem enquanto ela se banha, exigindo sua conformidade ou ameaçando arruinar sua reputação. Ao contrário das versões de Tintoretto ou Rubens, onde Susana é frequentemente retratada como passiva ou inconsciente, Gentileschi dá à sua heroína agência e emoção. O agudo contraste de luz e sombra isola Susana, aumentando sua vulnerabilidade, enquanto as mãos e rostos dos anciãos são representados com uma intimidade perturbadora que torna sua ameaça palpável. A procedência desta particular Susana e os Anciãos permanece em parte obscura, como costuma acontecer com as obras posteriores de Gentileschi.

Não está certo para quem ela a pintou, embora estudiosos acreditem que foi criada durante seu tempo em Nápoles, uma cidade onde encontrou tanto patronos quanto liberdade artística. Ao longo dos séculos, a pintura foi admirada por sua composição audaciosa e profundidade psicológica, às vezes erroneamente atribuída a contemporâneos masculinos antes que sua autoria fosse firmemente estabelecida. Hoje, ela se ergue como um testemunho da voz única de Gentileschi dentro do movimento Barroco, e como uma das interpretações mais poderosas desta cena bíblica em toda a arte do século XVII.