Peu de peintures de Artemisia Gentileschi ont suscité autant de discussions sur l'agence et le regard féminin que sa Suzanne et les Anciens de 1639. Contrairement à de nombreux artistes de son époque, Gentileschi est revenue à ce sujet à plusieurs reprises tout au long de sa carrière, chaque version reflétant une approche différente de l'histoire biblique et de sa propre vie en tant que femme peintre dans un monde dominé par les hommes. La peinture de 1639 se distingue par son intensité psychologique et la manière dont elle centre le désespoir de Suzanne, un choix qui a conduit beaucoup à la voir comme une déclaration personnelle de l'artiste elle-même. Au cœur de l'image, Suzanne se détourne des deux anciens lubriques, son corps tendu et son visage tourné par la peur et le dégoût alors qu'ils se penchent sur elle.

Le moment est celui de la menace et de la violation : les anciens, juges respectés, ont acculé la jeune femme alors qu'elle se baigne, exigeant sa conformité ou menaçant de ruiner sa réputation. Contrairement aux versions de Tintoretto ou Rubens, où Suzanne est souvent dépeinte comme passive ou inconsciente, Gentileschi donne à son héroïne de l'agence et de l'émotion. Le contraste aigu entre lumière et ombre isole Suzanne, accentuant sa vulnérabilité, tandis que les mains et les visages des anciens sont rendus avec une intimité troublante qui rend leur menace palpable. La provenance de cette Suzanne et les Anciens particulière reste en partie obscure, comme c'est souvent le cas avec les œuvres tardives de Gentileschi.

On ne sait pas pour qui elle l'a peinte, bien que les chercheurs pensent qu'elle a été créée pendant son séjour à Naples, une ville où elle a trouvé à la fois des mécènes et une liberté artistique. Au fil des siècles, la peinture a été admirée pour sa composition audacieuse et sa profondeur psychologique, parfois attribuée à tort à des contemporains masculins avant que son attribution ne soit fermement établie. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la voix unique de Gentileschi au sein du mouvement Baroque, et comme l'une des interprétations les plus puissantes de cette scène biblique dans tout l'art du XVIIe siècle.