Em uma inversão incomum de papéis para o início do século XIX, Francisco de Goya imortalizou a Marquesa de Villafranca não como uma modelo passiva, mas como uma artista, com o pincel na mão, pintando seu próprio marido. Pintado em 1804, este retrato é uma das raras representações de sua época que mostra uma nobre envolvida no ato da criação, em vez de ser simplesmente o objeto dela. A Marquesa, María Tomasa Palafox, era ela mesma uma pintora amadora e uma patrona das artes, e a decisão de Goya de capturá-la em ação foi tanto uma homenagem pessoal quanto um sutil desafio às convenções de seu tempo. A cena congela um momento de concentração silenciosa: a Marquesa, vestida elegantemente, senta-se diante de seu cavalete, com o olhar atento e o pincel em posição.

Seu marido, o Marquês de Villafranca, está como seu modelo, com uma postura relaxada, mas atenta. A paleta e os pincéis que ela segura não são meros adereços, mas sinais de seu genuíno envolvimento artístico. Goya banha as figuras em uma luz quente e focada, atraindo o olhar do espectador para o rosto e as mãos da Marquesa, os verdadeiros instrumentos de criação aqui.

Ao contrário dos autorretratos de Élisabeth Vigée Le Brun, que muitas vezes enfatizam a feminilidade e a graça da artista, a composição de Goya enfatiza a seriedade e a agência de sua modelo, fazendo um argumento silencioso a favor da igualdade intelectual das mulheres. Encomendada pela própria Marquesa, a pintura permaneceu na família Villafranca por gerações, um testemunho de sua paixão compartilhada pela arte. Mais tarde, foi adquirida pelo Museu do Prado, onde agora está pendurada entre outros retratos de Goya, oferecendo um vislumbre de seu círculo de amigos e patronos durante seu período maduro. A obra se destaca na produção de Goya por seu tom afetuoso, quase conspiratório, refletindo tanto o respeito do artista pela Marquesa quanto os papéis em mudança das mulheres na vida cultural da Espanha do início do século XIX.