Quando Claude Monet começou a pintar seus nenúfares em Giverny, ele retornava ao mesmo lago repetidamente, produzindo mais de 250 obras sobre o tema. Essa série contínua tornou-se tão central em sua carreira tardia que os visitantes de seu jardim o encontravam a qualquer hora, pincel na mão, perseguindo a luz em mudança. Em 1917, quando Nenúfares em Giverny foi pintado, Monet estava quase cego devido a cataratas, mas ele persistiu, determinado a capturar os reflexos e cores efêmeros na superfície da água.

O grande número de versões — cada uma sutilmente diferente — levou a debates entre acadêmicos sobre a datação e a sequência das telas individuais. Nesta pintura, Monet escolhe um momento em que a superfície do lago está salpicada de nenúfares flutuantes e reflexos entrelaçados do céu e da vegetação. Não há horizonte; o olhar do espectador é atraído para um mundo de cores ondulantes, onde os nenúfares pairam entre a água e o ar. A pincelada é solta, as formas se dissolvem nas bordas, sugerindo não apenas as flores em si, mas a sensação de observá-las através de uma luz em mudança.

Ao contrário das representações anteriores de jardins na arte, como as de Pierre-Auguste Renoir, a abordagem de Monet é menos sobre precisão botânica e mais sobre o ato de ver — como a luz e a cor mudam de um momento para o outro. A procedência exata deste Nenúfares em Giverny em particular é incerta, pois as obras tardias de Monet eram frequentemente vendidas diretamente de seu estúdio ou presenteadas a amigos. Muitas de suas pinturas de nenúfares foram adquiridas posteriormente por museus ou colecionadores na Europa e na América, e algumas permanecem em mãos privadas. Esta pintura pertence à última década da vida de Monet, quando ele trabalhava quase em isolamento em Giverny, empurrando os limites da representação e da abstração.

Hoje, os nenúfares são vistos como uma ponte entre o Impressionismo e movimentos posteriores como o Expressionismo Abstrato, admirados por suas cores ousadas e composições arrojadas.