클로드 모네가 지베르니에서 수련을 그리기 시작했을 때, 그는 같은 연못에 여러 번 돌아가며 250점 이상의 작품을 제작했습니다. 이 지속적인 시리즈는 그의 말년 경력에서 매우 중심적인 위치를 차지하게 되었고, 그의 정원을 방문하는 사람들은 언제든지 그를 발견할 수 있었으며, 붓을 들고 변화하는 빛을 쫓고 있었습니다. 1917년, 지베르니의 수련이 그려졌을 때, 모네는 백내장으로 거의 실명 상태였지만, 그는 포기하지 않고 수면 위의 순간적인 반사와 색상을 포착하기 위해 노력했습니다.

각 버전의 수가 많고——각각 미세하게 다르기 때문에——학자들 사이에서 개별 캔버스의 제작 시기와 순서에 대한 논쟁이 일어났습니다. 이 그림에서 모네는 연못의 표면이 떠 있는 수련과 하늘과 녹음의 얽힌 반사로 점점이 덮인 순간을 선택했습니다. 수평선은 없으며, 관객의 시선은 물결치는 색의 세계로 끌려 들어가고, 수련은 물과 공기 사이에 떠 있습니다. 붓질은 느슨하고 형태는 가장자리에서 흐려지며, 꽃 자체뿐만 아니라 변화하는 빛을 통해 그것들을 바라보는 감각을 암시합니다.

피에르-오귀스트 르누아르와 같은 예술의 초기 정원 묘사와 달리, 모네의 접근 방식은 식물의 정확성보다 보는 행위——빛과 색이 순간마다 어떻게 변하는지를 더 중시합니다. 이 특정 지베르니의 수련의 정확한 출처는 불확실합니다. 모네의 후기 작품은 종종 그의 작업실에서 직접 판매되거나 친구에게 선물되었습니다. 그의 많은 수련 그림은 나중에 유럽과 미국의 박물관이나 수집가들에 의해 획득되었고, 일부는 여전히 개인 소장품으로 남아 있습니다.

이 그림은 모네의 생애 마지막 10년에 속하며, 그가 지베르니에서 거의 고립된 상태로 작업하며 표현과 추상의 경계를 넓히고 있었던 시기입니다. 오늘날 수련은 인상파와 후속 추상 표현주의 사이의 다리로 여겨지며, 그 대담한 색상과 대담한 구성으로 찬사를 받고 있습니다.