Nach dem berüchtigten Schiffsunglück der Méduse von 1816, das Frankreich mit seiner Geschichte von Inkompetenz und menschlicher Verzweiflung erschütterte, fand Eugène Delacroix eine lebenslange Faszination für die Macht des Meeres und das Schicksal der Schiffbrüchigen. Nach dem Shipereck (Barge von Don Juan - Leichnam ins Meer geworfen) schöpft aus diesem gleichen Brunnen romantischen Horrors, doch sein Titel verweist auf ein weiteres literarisches Schiffsunglück: die berüchtigte Reise von Don Juan, die von Byron unsterblich gemacht wurde. Das Gemälde steht als seltene Meditation von Delacroix über Byrons Gedicht, ein Thema, das auch seinen Zeitgenossen Théodore Géricault heimsuchte, dessen Das Floß der Medusa Paris nur wenige Jahre zuvor schockiert hatte. Delacroix wählt den Moment, in dem die Überlebenden, treibend und geschlagen, einen toten Gefährten ins Meer werfen müssen – eine Szene düsterer Notwendigkeit und moralischer Ambivalenz.

Die Figuren, zusammengekauert auf der instabilen Barke, sind zwischen Angst und Resignation gefangen, ihre Gesten angespannt vom Versuch, loszulassen. Die Blässe des Leichnams, das wilde Durcheinander von Gliedern und das brodelnde, stahlgraue Wasser verstärken das Gefühl der Krise. Der diagonale Schwung der Komposition und die dramatischen Lichtkontraste erinnern an Géricaults Ansatz, doch Delacroix' Pinselstrich ist unruhiger, seine Farbe fieberhafter, was die Szene in Richtung psychologischen statt heroischen Dramas drängt.

Die Kette von Händen und die abgewandten Gesichter sprechen von Solidarität und Scham, während das offene Meer zu einem Symbol für die Indifferenz des Schicksals wird. Über den Auftrag oder die frühe Geschichte von Nach dem Shipereck (Barge von Don Juan - Leichnam ins Meer geworfen) ist wenig bekannt; sein Datum und Medium bleiben ungewiss, und es ist nicht unter den am häufigsten ausgestellten Werken von Delacroix aufgeführt. Diese Ungewissheit ist typisch für einige von Delacroix' literarisch inspirierten Gemälden, die oft in Privatbesitz zirkulierten oder nur durch Skizzen und Drucke bekannt waren. Was klar ist, ist, dass das Gemälde zu einer Zeit gehört, als Delacroix sich intensiv mit romantischer Poesie und dem Drama des Überlebens beschäftigte, Themen, die sich durch seine gesamte Karriere ziehen würden.

Heute steht das Werk als Zeugnis von Delacroix' rastloser Vorstellungskraft und seiner Fähigkeit, das Universelle in Momenten der Krise und des Verlusts zu finden, selbst wenn die Details seiner eigenen Reise teilweise im Dunkeln bleiben.