Im Jahr 1630 malte Artemisia Gentileschi eine Szene, die von ihren Zeitgenossen selten behandelt wurde: den versuchten Übergriff auf Corisca durch einen Satyr, inspiriert von Giovanni Battista Guarinis pastoraler Komödie Il Pastor Fido. Was dieses Werk bemerkenswert macht, ist nicht nur seine Seltenheit—wenige Künstler, und noch weniger Frauen, wagten es, einen so aufgeladenen Moment zu malen—sondern auch die Art und Weise, wie Gentileschi ein literarisches Ereignis in ein lebendiges Drama von Handlung und Flucht verwandelt. Während das Thema dem italienischen Publikum durch das Theater vertraut war, sticht Gentileschis Interpretation durch ihre psychologische Spannung und die Durchsetzungsfähigkeit ihrer Heldin hervor. Im Zentrum des Gemäldes windet sich Corisca aus dem Griff eines grotesken Satyrs, ihr Körper in der Luft gefangen, ihr Gesicht lebhaft mit List statt mit Angst.

In Guarinis Stück überlistet Corisca den Satyr, indem sie ihn mit ihrem Kranz anlockt, und entkommt, während er abgelenkt ist. Gentileschi fängt diesen genauen Moment ein: Coriscas Hand noch ausgestreckt, der gierige Blick des Satyrs auf dem Köder fixiert, seine tierischen Gliedmaßen in Erwartung gewunden. Der Kontrast zwischen Coriscas hellem, fließendem Kleid und der groben, schattigen Gestalt des Satyrs unterstreicht ihren Gegensatz: Unschuld und Witz gegen brutales Verlangen.

Im Gegensatz zu Tizians mythologischen Nymphen, die oft passiv erscheinen, ist Gentileschis Heldin wachsam, einfallsreich und hat die Kontrolle über ihr Schicksal. Die frühe Geschichte des Gemäldes bleibt unklar, ohne überlieferte Aufzeichnungen über seinen ursprünglichen Auftrag oder Mäzen. Es ist wahrscheinlich, dass Gentileschi Corisca und den Satyr während ihrer Jahre in Neapel malte, einer Zeit, die sowohl von kreativer Freiheit als auch von der Suche nach neuen Mäzen geprägt war. Im Laufe der Zeit gelangte das Werk in private Sammlungen, und viele Jahre lang war seine Zuschreibung ungewiss, manchmal fälschlicherweise als Werk eines männlichen Zeitgenossen identifiziert.

Heute wird das Gemälde als ein bedeutendes Beispiel für Gentileschis reifen Stil anerkannt—ihr mutiger Umgang mit Mythen, ihr Mitgefühl für weibliche Protagonisten und ihr technisches Können in Drama und Licht. Ihr aktueller Standort ist nicht weit verbreitet, bleibt aber ein Bezugspunkt für das Verständnis sowohl von Gentileschis Kunst als auch von den breiteren Ambitionen weiblicher Malerinnen im Barock.