En 1630, Artemisia Gentileschi a peint une scène rarement abordée par ses contemporains : la tentative d'agression de Corisca par un satyre, tirée de la pièce pastorale de Giovanni Battista Guarini Il Pastor Fido. Ce qui rend cette œuvre remarquable n'est pas seulement sa rareté—peu d'artistes, et encore moins de femmes, ont osé peindre un moment aussi chargé—mais aussi la manière dont Gentileschi transforme un épisode littéraire en un drame vivant d'agence et d'évasion. Bien que le sujet soit familier au public italien à travers le théâtre, l'interprétation de Gentileschi se distingue par sa tension psychologique et l'affirmation de son héroïne. Au cœur de la peinture, Corisca se tord pour échapper à l'emprise d'un satyre grotesque, son corps pris en plein vol, son visage animé par la ruse plutôt que par la peur.

Dans la pièce de Guarini, Corisca trompe le satyre en l'attirant avec sa guirlande, puis s'échappe pendant qu'il est distrait. Gentileschi capture ce moment exact : la main de Corisca encore tendue, le regard avide du satyre fixé sur l'appât, ses membres animaux enroulés dans l'anticipation. Le contraste entre la robe brillante et fluide de Corisca et la forme grossière et ombragée du satyre souligne leur opposition : innocence et esprit contre désir brut.

Contrairement aux nymphes mythologiques de Titien, qui apparaissent souvent passives, l'héroïne de Gentileschi est alerte, ingénieuse et maîtresse de son destin. L'histoire précoce de la peinture reste obscure, sans archives survivantes de sa commande ou de son mécène d'origine. Il est probable que Gentileschi ait peint Corisca et le Satyre pendant ses années à Naples, une période marquée à la fois par la liberté créative et la recherche de nouveaux mécènes. Au fil du temps, l'œuvre a passé par des collections privées, et pendant de nombreuses années, son attribution a été incertaine, parfois mal identifiée comme étant celle d'un contemporain masculin.

Aujourd'hui, la peinture est reconnue comme un exemple significatif du style mature de Gentileschi : sa manière audacieuse de traiter le mythe, son empathie pour les protagonistes féminines et sa maîtrise technique du drame et de la lumière. Sa localisation actuelle n'est pas largement publicisée, mais elle reste un point de référence pour comprendre à la fois l'art de Gentileschi et les ambitions plus larges des femmes peintres à l'époque du Baroque.