In der Mitte des 17. Jahrhunderts war der spanische Maler Francisco de Zurbarán für seine intensiven religiösen Bilder bekannt, doch Flagellation des heiligen Hieronymus sticht durch seine seltene Darstellung eines Heiligen hervor, der oft in gelehrter Kontemplation statt in Qual gezeigt wird. Das Gemälde konzentriert sich auf einen wenig bekannten Episoden aus dem Leben des heiligen Hieronymus, der der Legende nach Selbstgeißelung als Buße und spirituelle Disziplin praktizierte.

Während der heilige Hieronymus normalerweise in seinem Studierzimmer beim Übersetzen der Bibel dargestellt wird, wählte Zurbarán stattdessen den Moment seines freiwilligen Leidens — ein Thema, das tief mit den asketischen Idealen der spanischen Gegenreformation resoniert hätte. Im Zentrum der Komposition kniet der heilige Hieronymus oberkörperfrei, sein Körper angespannt, während er Schläge von einer unsichtbaren Hand empfängt, sein Gesicht eine Mischung aus Qual und Akzeptanz. Die Seile, die seine Handgelenke binden, symbolisieren sowohl seine Unterwerfung unter den göttlichen Willen als auch die physische Realität der Buße. Zurbaráns dramatischer Einsatz von Licht formt die muskulöse Gestalt Hieronymus aus der Dunkelheit und betont die Körperlichkeit des Heiligen und die Realität seines Schmerzes.

Der Schädel zu Füßen Hieronymus ist ein traditionelles memento mori, das die Betrachter an die Sterblichkeit und das Versprechen der Erlösung durch Leiden erinnert. Im Vergleich zu Caravaggios theatralischeren Märtyrern ist Zurbaráns Ansatz leiser, aber nicht weniger intensiv und konzentriert sich auf die innere Erfahrung des Heiligen. Die genaue Geschichte von Flagellation des heiligen Hieronymus als Objekt bleibt etwas obscur, wie es oft bei Zurbaráns Werken außerhalb seiner Hauptaufträge für Klöster und Kirchen in Sevilla der Fall ist. Es ist wahrscheinlich, dass es Teil einer Serie war, die den Leben der Heiligen gewidmet war und für private Andacht oder einen klösterlichen Rahmen gedacht war.

Im Laufe der Jahrhunderte wurden viele von Zurbaráns Gemälden in Europa verstreut, insbesondere während der Umwälzungen nach den napoleonischen Invasionen Spaniens. Heute wird das Gemälde als ein markantes Beispiel für den reifen Stil von Zurbarán anerkannt, der durch strengen Realismus und emotionale Schwere gekennzeichnet ist, und es lädt weiterhin zur Kontemplation über die Rolle des Leidens in der christlichen Tradition ein.