A metà del XVII secolo, il pittore spagnolo Francisco de Zurbarán era rinomato per la sua intensa immagine religiosa, ma Flagellazione di San Girolamo si distingue per la sua rara rappresentazione di un santo spesso mostrato in contemplazione accademica piuttosto che in tormento. Il dipinto si concentra su un episodio poco conosciuto della vita di San Girolamo, che, secondo la leggenda, praticava l'automortificazione come penitenza e disciplina spirituale. Mentre San Girolamo è solitamente dipinto nel suo studio, mentre traduce la Bibbia, Zurbarán ha scelto invece di catturare il momento della sua sofferenza volontaria, un tema che avrebbe profondamente risuonato con gli ideali ascetici della spiritualità della Controriforma spagnola. Al centro della composizione, San Girolamo si inginocchia a torso nudo, il suo corpo teso mentre riceve colpi da una mano invisibile, il suo volto una miscela di agonia e accettazione.

Le corde che legano i suoi polsi simboleggiano sia la sua sottomissione alla volontà divina sia la realtà fisica della penitenza. L'uso drammatico della luce da parte di Zurbarán scolpisce la forma muscolosa di Girolamo dall'oscurità, enfatizzando la fisicità del santo e la realtà del suo dolore. Il teschio ai piedi di Girolamo è un memento mori tradizionale, che ricorda agli spettatori la mortalità e la promessa di salvezza attraverso la sofferenza.

Rispetto ai martiri più teatrali di Caravaggio, l'approccio di Zurbarán è più silenzioso ma non meno intenso, concentrandosi sull'esperienza interiore del santo. La storia precisa di Flagellazione di San Girolamo come oggetto rimane piuttosto oscura, come spesso accade con le opere di Zurbarán al di fuori dei suoi principali incarichi per monasteri e chiese a Siviglia. Probabilmente faceva parte di una serie dedicata alle vite dei santi, destinata alla devozione privata o a un ambiente monastico. Nel corso dei secoli, molti dei dipinti di Zurbarán sono stati dispersi in tutta Europa, specialmente durante i tumulti seguiti alle invasioni napoleoniche della Spagna.

Oggi, il dipinto è riconosciuto come un esempio straordinario dello stile maturo di Zurbarán, caratterizzato da un realismo netto e da una gravità emotiva, e continua a invitare alla contemplazione sul ruolo della sofferenza nella tradizione cristiana.