Kein anderes Thema faszinierte Titian in seinen späteren Jahren mehr als Maria Magdalena, und er kehrte mindestens sechs Mal zu ihrer Geschichte zurück, jedes Mal mit neuer Intensität. Die Bußfertige Maria Magdalena aus etwa 1560 gehört zu den bekanntesten dieser Werke und war zu ihrer Zeit so bewundert, dass bekannt ist, dass Philipp II. von Spanien eine Version für seine eigene Sammlung anforderte.

Der Ruhm des Gemäldes verbreitete sich schnell: Inventare und Briefe aus dem späten 16. Jahrhundert erwähnen es als ein geschätztes Beispiel für Titians späten Stil, bewundert für die emotionale Unmittelbarkeit, die er in das Bedauern der Magdalena brachte. Maria Magdalena, die reuige Sünderin, wird in einem Moment roher Beichte eingefangen. Ihr tränenreicher Blick ist himmelwärts gerichtet, ihre Arme sind über ihrer nackten Brust gekreuzt – eine Geste sowohl von Scham als auch von Flehen.

Ihr wildes, goldenes Haar, das über ihre Schultern fällt, war ein Symbol der Renaissance sowohl für ihr früheres Leben als auch für ihre leidenschaftliche Bekehrung. Im schummrigen, erdigen Hintergrund erinnern ein Schädel und ein Krug mit Salbe an ihre meditative Einsamkeit und ihre Rolle als die Salberin Christi. Im Gegensatz zur kühlen, zurückhaltenden Magdalena der Holzskulptur von Donatello ist Titians Magdalena Fleisch und Blut, ihr Bedauern wird greifbar durch die warme, leuchtende Farbe und die zitternde Pinselstrich. Die genauen Ursprünge dieser Version bleiben ungewiss, da Titian mehrere Magdalena-Gemälde für verschiedene Mäzene schuf, darunter den Herzog von Urbino und Philipp II.

Obwohl das Medium nicht definitiv dokumentiert ist, deutet die reiche Oberfläche des Werkes auf Öl auf Leinwand hin, typisch für seine venezianische Werkstatt. Im Laufe der Jahrhunderte wurden Versionen dieser Komposition in ganz Europa verteilt, manchmal falsch zugeordnet oder mit Atelier-Repliken verwechselt. Heute steht die Bußfertige Maria Magdalena als Zeugnis von Titians spätem Stil – seiner lockeren, expressiven Handhabung und psychologischen Tiefe – und markiert eine Zeit, in der seine Kunst persönlicher wurde und seine Heiligen menschlicher als je zuvor.