Als Bartolomé Estebán Murillo Der bußfertige heilige Hieronymus um 1650 malte, trat er in eine Phase wachsender Berühmtheit in Sevilla ein, und dieses Werk hebt sich als eines seiner frühesten und dramatischsten Darstellungen des Heiligen hervor. Im Gegensatz zu seinen späteren, sanfteren Bildern von Heiligen und Kindern kanalisiert Murillo hier die Intensität der Gegenreformation, als Künstler dazu aufgefordert wurden, Hingabe durch rohe Emotion und Realismus zu inspirieren. Die Beliebtheit des Gemäldes wird durch die Anzahl der in den folgenden Jahrzehnten produzierten Versionen und Kopien belegt, sowohl von Murillo selbst als auch von seiner Werkstatt.

Diese Begeisterung für den heiligen Hieronymus als Motiv war nicht einzigartig für Murillo; sie durchzog die spanische Religionskunst und spiegelte die Faszination der Epoche für Buße und spirituellen Kampf wider. Der heilige Hieronymus, der Übersetzer der Bibel ins Lateinische, wird in einem Moment tiefer Buße gefangen, allein in der Wüste. Murillo zeigt ihn kniend, oberkörperfrei, mit einem Stein, den er gegen seine Brust schlägt – eine Geste des Bedauerns, die aus der traditionellen Ikonographie stammt. Der Schädel neben ihm ist ein memento mori, eine Erinnerung an die Sterblichkeit, während das Kreuz und das offene Buch seine Hingabe und Gelehrsamkeit signalisieren.

Licht fällt dramatisch auf die muskulöse Gestalt des Hieronymus und verstärkt das Gefühl von physischem und spirituellem Kampf. Im Vergleich zu dem abgemagerten, fast skelettartigen Hieronymus, der von El Greco gemalt wurde, ist Murillos Heiliger robust und menschlich, sein Leiden wird mit einer Wärme und Unmittelbarkeit dargestellt, die zum Markenzeichen des Künstlers werden sollte. Der genaue Auftrag für dieses Gemälde bleibt ungewiss, obwohl es wahrscheinlich für eine religiöse Institution in Sevilla oder einen privaten Mäzen bestimmt war, der ein Bild von Buße und Erlösung suchte. Im Laufe der Jahrhunderte hat Der bußfertige heilige Hieronymus verschiedene Hände gewechselt, was die anhaltende Anziehungskraft von Murillos religiösen Werken widerspiegelt.

Heute wird es als ein zentrales Beispiel spanischer barocker Malerei anerkannt, das Murillos Übergang von der Einflussnahme der Strenge Zurbaráns zu seinem eigenen, mitfühlenderen Stil markiert. Obwohl das Medium des Gemäldes nicht fest dokumentiert ist, ist sein Einfluss auf spätere Darstellungen von Heiligen in Spanien unbestreitbar, und es bleibt ein Bezugspunkt für das Verständnis von Murillos frühen Ambitionen und dem devotionalen Klima im Sevilla des 17. Jahrhunderts.