Als Joseph Mallord William Turner Der Raub der Proserpina 1839 enthüllte, wurde dies mit Überraschung aufgenommen: Turner, gefeiert für seine stürmischen Seestücke und leuchtenden Landschaften, hatte sich selten so direkt in die mythologische Erzählung gewagt. Das Thema des Gemäldes—eine gewaltsame Entführung aus der antiken Mythologie—war eine mutige Wahl, und einige Kritiker fragten sich über Turners Entscheidung, eine so dramatische Szene anzugehen. Das Werk hebt sich in seinem Schaffen als eines der wenigen Beispiele hervor, in denen er die Geschichte von Proserpina behandelte, ein Thema, das eher mit früheren Malern wie Peter Paul Rubens oder Nicolas Poussin assoziiert wird.

Seine erste Ausstellung an der Royal Academy zog sowohl Bewunderung als auch Verwirrung auf sich, wobei einige Zeitgenossen unsicher waren, wie sie Turners brennende, tumultartige Vision deuten sollten. Der Moment, den Turner wählte, ist der Augenblick, in dem Pluton aus der Erde in seinem Wagen hervorbricht und Proserpina ergreift, während sie Blumen auf einer sonnenbeschienenen Wiese sammelt. Die ausgestreckten Arme der Göttin und die verstreuten Blüten fangen ihren Schrecken und ihre Unschuld ein, während die dunklen, aufbäumenden Pferde und Plutons kraftvoller Griff die Gewalt des Aktes verkörpern. Turners charakteristisches Licht flutet die obere Hälfte der Leinwand und kontrastiert die goldene Oberflächenwelt mit dem schattigen Schlund der Unterwelt, der sich darunter öffnet.

Im Gegensatz zu Poussins ordentlicherem und klassischem Umgang mit dem Mythos ist Turners Version von wirbelnder Energie und Chaos geprägt, die Landschaft selbst scheint sich angesichts des sich entfaltenden Dramas zu krümmen. Die Kette in Plutons Hand ist nicht nur ein Symbol der Knechtschaft, sondern auch eine visuelle Verbindung zwischen den Welten oben und unten. Die genaue frühe Geschichte von Der Raub der Proserpina ist unklar; kein spezifischer Mäzen ist verzeichnet, und das Medium des Gemäldes bleibt ungewiss, obwohl Turner am häufigsten in Öl arbeitete. Es wurde vorgeschlagen, dass Turner es zur Ausstellung malte, anstatt auf Auftrag, begierig darauf, seine mythologischen Ambitionen neben seinen Landschaften zu zeigen.

Im Laufe der Jahre hat das Gemälde private Sammlungen durchlaufen und wurde, wie viele von Turners Werken, manchmal von seinen berühmteren Seestücken überschattet. Heute steht es als ein Zeugnis seiner rastlosen Vorstellungskraft und seiner Bereitschaft, sowohl mit Thema als auch mit Stil in den späteren Jahren seiner Karriere zu experimentieren. Sein aktueller Standort ist nicht endgültig festgelegt, aber es bleibt ein überzeugendes Beispiel für Turners Engagement mit dem Mythos und den expressiven Möglichkeiten der narrativen Malerei.