Cuando Anthony van Dyck pintó Albert de Ligne, Conde de Arenberg, Príncipe de Brabante en 1650, capturó no solo el parecido de un noble, sino también el prestigio duradero de una de las familias más ricas e influyentes de los Países Bajos españoles. Los Arenberg eran famosos mecenas, su corte un imán para artistas y músicos, y Albert mismo era una figura prominente en la corte de los Habsburgo. Este retrato se destaca como una de las pocas imágenes conocidas de Albert en sus últimos años, pintado justo después de la agitación de la Guerra de los Treinta Años, cuando el viejo orden se estaba reafirmando en toda Europa. Van Dyck presenta a Albert de Ligne en la cúspide de su dignidad, su mirada es directa pero reservada, su postura es imponente pero no ostentosa.

La vestimenta del Conde—ricos tejidos, una pesada cadena de oro y las insignias de órdenes caballerescas—señala tanto su riqueza como su lealtad a la corona española. El sutil juego de luz sobre su rostro y manos atrae la mirada hacia su expresión reflexiva, sugiriendo a un hombre moldeado tanto por el privilegio como por la responsabilidad. A diferencia de la bravura teatral de los retratos de la aristocracia de Rubens, el enfoque de van Dyck es más contenido, enfatizando la profundidad psicológica sobre la grandeza. La historia temprana exacta de esta pintura no está completamente documentada, pero probablemente fue encargada por la propia familia Arenberg, conocida por reunir una de las mayores colecciones de arte privado en Europa.

A lo largo de los siglos, el retrato sobrevivió a convulsiones políticas y a la dispersión de muchos tesoros familiares, manteniéndose como un testimonio tanto del legado de Albert como de la duradera reputación de van Dyck como el principal retratista del Barroco. Hoy en día, la pintura es reconocida como un ejemplo clave del estilo tardío de van Dyck, donde la sensibilidad del artista hacia el carácter y el estatus alcanza su forma madura.