Quando Anthony van Dyck dipinse Albert de Ligne, Conte di Arenberg, Principe di Brabante nel 1650, catturò non solo il ritratto di un nobile, ma anche il prestigio duraturo di una delle famiglie più ricche e influenti dei Paesi Bassi spagnoli. Gli Arenberg erano famosi mecenati, la loro corte un magnete per artisti e musicisti, e Albert stesso era una figura di spicco alla corte degli Asburgo. Questo ritratto si distingue come una delle poche immagini conosciute di Albert nei suoi ultimi anni, dipinto subito dopo le turbolenze della Guerra dei Trent'Anni, quando il vecchio ordine si stava riaffermando in tutta Europa. Van Dyck presenta Albert de Ligne al culmine della sua dignità, il suo sguardo è diretto ma riservato, la sua postura è imponente ma non ostentata.

L'abbigliamento del Conte—tessuti ricchi, una pesante catena d'oro e le insegne degli ordini cavallereschi—segnala sia la sua ricchezza sia la sua lealtà alla corona spagnola. Il sottile gioco di luce sul suo volto e sulle sue mani attira lo sguardo verso la sua espressione pensierosa, suggerendo un uomo plasmato sia dal privilegio che dalla responsabilità. A differenza della bravura teatrale dei ritratti aristocratici di Rubens, l'approccio di van Dyck è più contenuto, enfatizzando la profondità psicologica rispetto alla grandezza. La storia esatta di questo dipinto all'inizio non è completamente documentata, ma probabilmente fu commissionata dalla stessa famiglia Arenberg, nota per aver riunito una delle più grandi collezioni d'arte private in Europa.

Nel corso dei secoli, il ritratto è sopravvissuto a tumultuosi eventi politici e alla dispersione di molti tesori familiari, rimanendo un testimone sia dell'eredità di Albert che della duratura reputazione di van Dyck come il principale ritrattista del Barocco. Oggi, il dipinto è riconosciuto come un esempio chiave dello stile tardivo di van Dyck, dove la sensibilità dell'artista verso il carattere e lo status raggiunge la sua forma matura.