Cuando El Greco pintó Santa Catalina con Corona y Rama de Palma alrededor de 1600, estaba en la cúspide de su talento en Toledo, una ciudad que se había convertido en su hogar adoptivo. Lo que hace que esta obra sea especialmente intrigante es que pertenece a una serie de santas femeninas pintadas por El Greco durante este período, posiblemente destinadas a la devoción privada en lugar de a retablos públicos. A diferencia de muchos de sus encargos, el patrocinador específico de esta pintura es desconocido, lo que lleva a los estudiosos a preguntarse si fue creada para un hogar noble o una institución religiosa.

La proliferación de las figuras santas de El Greco alrededor de 1600 refleja tanto el énfasis de la Contrarreforma en la piedad personal como la fascinación del artista por el drama espiritual. En el corazón de la pintura se encuentra Santa Catalina de Alejandría, capturada en un momento de sereno triunfo tras su legendario martirio. Según la tradición, Catalina era una princesa erudita que desafió al emperador romano Maximiliano y fue condenada a muerte en una rueda con pinchos, una tortura de la que milagrosamente sobrevivió antes de ser decapitada. El Greco la muestra sosteniendo una palma de mártir y una corona real, símbolos de su victoria sobre el sufrimiento y su estatus real.

La rueda, a menudo representada en versiones de otros artistas como Caravaggio en Santa Catalina, aquí se alude solo de manera sutil, mientras que la mirada hacia arriba de la santa y su forma alargada expresan su elevación espiritual. La drapeada en espiral y la luz titilante, características del estilo tardío de El Greco, atraen la mirada del espectador hacia arriba, sugiriendo una conexión entre lo terrenal y lo divino. El viaje de Santa Catalina con Corona y Rama de Palma como objeto físico está menos documentado que algunos de los encargos más grandiosos de El Greco. Su medio sigue siendo incierto, aunque probablemente sea óleo sobre lienzo, como era típico para el artista en esta etapa.

La procedencia de la pintura antes de la era moderna es poco clara, pero obras de este tipo a menudo se dispersaban entre coleccionistas privados en España y más tarde en toda Europa. Hoy en día, se erige como un testimonio de la visión única de El Greco: su mezcla de color veneciano, iconografía bizantina y misticismo español, en un momento en que su reputación era tanto celebrada como cuestionada. La supervivencia de la pintura y su continua admiración reflejan la fascinación perdurable por el enfoque singular de El Greco hacia la imaginería religiosa.