Manierismo: pintura y arte manierista

En el arte, el manierismo es el estilo elegante y artificioso que siguió al Alto Renacimiento en Italia, entre 1520 y 1600 aproximadamente. La Tate lo describe como el estilo de los seguidores de Rafael y Miguel Ángel, marcado por la artificiosidad, la elegancia y la distorsión sensual de la figura humana: en lugar de adoptar la armonía de esos maestros, crearon composiciones muy artificiosas que lucían su destreza. El vocabulario de arte del Getty añade un sentido de fantasía, los experimentos con el color y una nueva figura humana alargada, pálida y de elegancia exagerada.

Fuentes: Tate: Mannerist · Getty AAT: Mannerist

Las pinturas manieristas tienen figuras alargadas, a menudo retorcidas, un espacio abarrotado o ambiguo y colores fuertes e insólitos, como resume el estilo el Museo de Bellas Artes de Boston. La National Gallery de Londres añade un aspecto muy acabado y deliberadamente estilizado, figuras idealizadas a ejemplo de Miguel Ángel, un color antinatural usado para decorar y expresar, y composiciones complejas e ingeniosas a propósito. Todo ello lo ve en «Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo» de Bronzino, con su superficie como de esmalte, sus miembros como de mármol y casi ninguna profundidad.

Fuentes: Museo de Bellas Artes de Boston (Google Arts & Culture) · National Gallery de Londres, glosario: Mannerist · National Gallery de Londres

El manierismo surgió hacia 1520 en Italia, en Florencia y Roma, y duró hasta hacia 1600, entre el Alto Renacimiento y el barroco; la Tate lo fecha en 1520–1600, y el Getty lo sitúa sobre todo en Roma. Sus primeros pintores fueron los florentinos Pontormo y Rosso Fiorentino. Tras el saqueo de Roma de 1527, Rosso se fue a Francia, donde trabajó desde 1530 en el castillo de Fontainebleau; El Greco llevó el estilo a Toledo, donde murió en 1614, y Spranger, desde la corte de Praga, inspiró a los manieristas de Haarlem.

Fuentes: Tate: Mannerist · Getty AAT: Mannerist · National Gallery de Londres, glosario: Mannerist · National Gallery de Londres: Rosso Fiorentino · National Gallery de Londres: El Greco · National Gallery de Londres: Joachim Wtewael

Los principales pintores manieristas fueron Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino y Bronzino en Italia, Tintoretto en Venecia y El Greco en España. Para la National Gallery de Londres, Pontormo es el principal representante de un primer manierismo expresivo; Rosso, uno de sus pioneros; Parmigianino, uno de sus creadores, y Bronzino, discípulo de Pontormo, el gran pintor de la Florencia de mediados del siglo XVI. A Tintoretto se le suele considerar manierista, y El Greco forjó en Venecia su manierismo intenso y colorista. En el norte destacaron los manieristas de Haarlem: Cornelis van Haarlem, Hendrick Goltzius y Karel van Mander.

Fuentes: National Gallery de Londres: Pontormo · National Gallery de Londres: Rosso Fiorentino · National Gallery de Londres: Parmigianino · National Gallery de Londres: Bronzino · National Gallery de Londres: Jacopo Tintoretto · National Gallery de Londres: El Greco · National Gallery de Londres: Cornelis van Haarlem

Entre las obras más famosas del manierismo están «La Virgen del cuello largo» de Parmigianino, «Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo» de Bronzino y su retrato de Leonor de Toledo con su hijo, la «Deposición» de Pontormo en Santa Felicita, el «Cristo muerto con ángeles» de Rosso, el «Vertumno» de Arcimboldo y «El entierro del conde de Orgaz» de El Greco. La National Gallery de Londres dice que ese cuadro resume el arte erudito y cortesano del manierismo, y los Uffizi y el castillo de Skokloster clasifican como manieristas «La Virgen del cuello largo», el retrato de Leonor y el «Vertumno».

Fuentes: National Gallery de Londres · Galería Uffizi: Madonna with the Long Neck (Google Arts & Culture) · Galería Uffizi (Google Arts & Culture) · Castillo de Skokloster: Vertumnus (Google Arts & Culture) · Museo de Bellas Artes de Boston (Google Arts & Culture) · Fundación Friends of Florence: Pontormo, Deposition from the Cross

Sí. El estilo de El Greco es un manierismo intenso y colorista, de figuras alargadas, color antinatural y luz visionaria. La National Gallery de Londres cuenta que nació en Creta, donde le marcó profundamente el arte bizantino; se formó en Venecia con Tiziano, aprendió de Tintoretto y de los Bassano, estudió a Miguel Ángel y a Rafael en Roma en 1570 y hacia 1577 ya se había instalado en Toledo. En su tardío «Laocoonte», la National Gallery of Art de Washington ve una línea retorcida, un color estridente y un espacio concebido sin lógica, con figuras que parecen incorpóreas.

Fuentes: National Gallery de Londres: El Greco · National Gallery of Art de Washington: Laocoön (Google Arts & Culture)

Miguel Ángel suele contarse entre los maestros del Alto Renacimiento, pero su obra fue la principal fuente del manierismo. La National Gallery de Londres lo llama el héroe del Alto Renacimiento y dice que la bóveda de la Capilla Sixtina, con sus innumerables figuras en posturas complejas y retorcidas y su color exuberante, es la fuente principal del estilo manierista. La Tate define el manierismo como el estilo de los seguidores de Rafael y Miguel Ángel entre 1520 y 1600, los años en que el propio Miguel Ángel pintó «El Juicio Final» en el altar de la capilla, en 1536–1541.

Fuentes: National Gallery de Londres: Michelangelo · Tate: Mannerist · Museos Vaticanos: Sistine Chapel

La pintura del Renacimiento buscaba la armonía, el equilibrio y figuras de aspecto natural; el manierismo, que la siguió desde hacia 1520, las volvió deliberadamente artificiosas, alargadas y complejas. La Tate dice que los manieristas, en lugar de adoptar los ideales armoniosos de Rafael y Miguel Ángel, fueron un paso más allá y crearon composiciones muy artificiosas. La National Gallery de Londres explica que el arte manierista reaccionó contra los ideales de armonía, proporción y naturalismo del Alto Renacimiento, y puso el acento en el refinamiento intelectual, la elegancia antinatural, el artificio y la inestabilidad.

Fuentes: Tate: Mannerist · National Gallery de Londres · Getty AAT: Mannerist

El manierismo (h. 1520–1600) cultivaba el artificio: figuras alargadas y elegantes, composiciones complejas y abarrotadas y un color antinatural y decorativo. El barroco, que lo siguió desde hacia 1590, volvió a un realismo directo, con fuertes contrastes de luz y sombra, diagonales y movimiento; la Tate lo define por su seguridad, su dinamismo y su forma realista de representar. Hacia 1600, dice la National Gallery de Londres, Annibale Carracci pasó a ser visto como el pintor que rescató al arte italiano de los excesos del manierismo.

Fuentes: Tate: Mannerist · Tate: Baroque · National Gallery de Londres, glosario: Baroque · National Gallery de Londres: Annibale Carracci

El gran pintor manierista de España fue El Greco, aunque no nació allí: llegó de Creta, desarrolló en Venecia su manierismo intenso y colorista y hacia 1577 se instaló en Toledo, donde pintó sobre todo para las iglesias de la ciudad, dice la National Gallery de Londres; allí siguen «El entierro del conde de Orgaz» y «El Expolio». Antes que él, el toledano Pedro Machuca, que había trabajado en Italia, pintó en 1547 «El Descendimiento de la Cruz», que el Museo del Prado relaciona con Miguel Ángel, Rafael, Leonardo y Rosso Fiorentino. La corte de Felipe II llamó además a Sofonisba Anguissola, y Tiziano le envió la «Venus del Pardo».

Fuentes: Museo del Prado: El Descendimiento de la cruz · National Gallery de Londres: El Greco · Iglesia de Santo Tomé (Toledo): El Greco (en español) · Catedral de Toledo: Lugares de interés · Museo Nivaagaard (Google Arts & Culture) · Museo del Louvre (en francés)

El manierismo convivió con la Contrarreforma, la reforma con la que la Iglesia católica respondió en el siglo XVI al éxito de la Reforma protestante. Se basó sobre todo en el Concilio de Trento, que fijó qué imágenes servían mejor a la Iglesia, y fue más eficaz en Italia y España, explica la National Gallery de Londres. Su huella se ve en cuadros manieristas: tras el Concilio (1545–1563), dicen los Uffizi, el ojo de Dios sustituyó a la cabeza de tres caras de la Trinidad en la «Cena de Emaús» de Pontormo. La Tate ya asocia el barroco a la Contrarreforma.

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Sí. Todos los pintores de esta página murieron en 1638 o antes, así que sus obras son de dominio público en Estados Unidos y en los países donde los derechos de autor terminan 70 años después de la muerte del artista. Puedes descargarlas gratis y usarlas para lo que quieras, también en proyectos comerciales. Algunos países tienen normas propias sobre las fotografías de obras de arte, así que consúltalas si publicas fuera de Estados Unidos.

Fuentes: Biblioteca de la Universidad Cornell: Copyright Term and the Public Domain