Cuando La visión de San Antonio de Padua fue robada de la Catedral de Sevilla en 1874, los ladrones cortaron la figura del propio San Antonio, dejando una herida abierta en el lienzo. El santo desaparecido apareció en Nueva York, donde un sacerdote de ojo agudo reconoció el fragmento y alertó a las autoridades, lo que llevó a su dramática recuperación y restauración. Esta historia de robo y reunión solo profundizó la fama de la pintura, convirtiéndola en un símbolo tanto de devoción como de resiliencia.

El turbulento viaje de la obra es un testimonio de su poder perdurable y del respeto que inspira. Murillo captura el momento milagroso en el que San Antonio, perdido en oración, es visitado por el Niño Jesús. El santo se arrodilla, con las manos entrelazadas, su mirada elevada en asombro mientras el niño Jesús desciende en una nube radiante, rodeado de querubines. La suave luz dorada baña la escena, difuminando la frontera entre lo terrenal y lo divino.

Los lirios a los pies de San Antonio señalan pureza, mientras que el libro abierto insinúa su erudición. A diferencia de las visiones más dramáticas pintadas por El Greco, el enfoque de Murillo es suave e íntimo, invitando a los espectadores a presenciar una revelación privada. Pintada alrededor de 1670, La visión de San Antonio de Padua refleja la cúspide de la carrera de Bartolomé Estebán Murillo en Sevilla, donde fue celebrado por su cálida y accesible imaginería religiosa. La obra fue encargada originalmente para la capilla de San Antonio en la Catedral de Sevilla, donde inspiró a generaciones de fieles.

Después de su robo y recuperación a finales del siglo XIX, la pintura fue cuidadosamente restaurada y devuelta a su hogar original. Hoy, permanece en la Catedral de Sevilla, un ejemplo apreciado de la devoción barroca que definió el legado de Murillo.