Lorsque Edgar Degas a exposé pour la première fois sa série de femmes se baignant dans les années 1890, les critiques ont été frappés par leur franchise et leur intimité. Ce qui distinguait Après le Bain. Femme Se Séchant la Nuque. n'était pas seulement son sujet, mais la manière dont Degas y revenait encore et encore ; il existe au moins une demi-douzaine de versions connues, chacune explorant le même rituel privé sous un angle légèrement modifié.

Cette répétition n'était pas un accident : Degas lui-même a décrit ces œuvres comme "une enquête, pas un portrait", désireux de capturer les gestes éphémères de la vie quotidienne. Le médium de la peinture reste incertain : pastel, monotype et huile rivalisaient pour son attention durant cette période, et Degas était connu pour les combiner de manière expérimentale. La scène est simple mais chargée : une femme, de dos, se penche en avant, les bras levés pour se sécher la nuque. Le spectateur, placé juste derrière et au-dessus, devient un observateur discret d'un moment généralement caché à la vue du public.

La courbure de la colonne vertébrale, la tension dans l'épaule et le doux jeu de lumière sur la peau témoignent de la fascination de Degas pour le mouvement et l'anatomie. Contrairement aux baigneuses idéalisées de Ingres ou aux nus mythiques de Titien, le sujet de Degas n'est pas posé, absorbé dans son propre monde, son visage hors de vue. L'accent est mis sur l'acte lui-même : le séchage de la peau, la torsion du torse, rendant le rituel ordinaire silencieusement monumental. Après le Bain.

Femme Se Séchant la Nuque. appartient à la phase tardive de la carrière de Degas, lorsque sa vue déclinait mais que son appétit pour l'expérimentation grandissait. Beaucoup de ces scènes de bain n'ont jamais été formellement commandées ou vendues de son vivant, restant plutôt dans son atelier jusqu'à sa mort en 1917. Le parcours précis de cette version particulière n'est pas clair, car Degas retravaillait souvent ses compositions et laissait peu de traces de leur vente ou exposition.

Aujourd'hui, des œuvres de cette série peuvent être trouvées dans des collections majeures de Paris à New York, et elles sont considérées comme essentielles dans la transition de la peinture de figures traditionnelle vers l'approche plus moderne et psychologique des mouvements tardifs de l'Impressionnisme et des premiers Modernistes.