Personne ne sait exactement quand Abraham Bloemaert a peint Cérès et Proserpine, mais ce qui est certain, c'est que le maître néerlandais est revenu à ce mythe plus d'une fois, et au moins deux versions de sa main sont connues pour avoir survécu. Cette répétition suggère une fascination particulière, soit personnelle, soit dictée par les goûts de ses mécènes, pour l'ancienne histoire de perte et de réunion entre mère et fille. Dans le marché de l'art animé des Pays-Bas au début du XVIIe siècle, des scènes mythologiques comme celle-ci étaient très demandées par des collectionneurs désireux d'afficher à la fois leur érudition et leur goût pour le drame. Le moment choisi par Bloemaert est celui d'une négociation tendue : Cérès, déesse des moissons, confronte Jupiter pour exiger le retour de sa fille, Proserpine, qui a été enlevée par Pluton vers le monde souterrain.

L'artiste place les deux femmes au cœur de la composition : Cérès, le bras tendu en supplication ou en protestation, et Proserpine se retournant avec un mélange de désir et de résignation. Le faisceau de blé aux pieds de Cérès signale son domaine sur l'abondance de la terre, tandis que l'arrière-plan sombre et fuyant suggère l'ombre du monde souterrain. Comparée à la plus théâtrale Le Viol de Proserpine de Rubens, la version de Bloemaert est plus calme, se concentrant sur l'échange émotionnel plutôt que sur la violence de l'enlèvement. La provenance précise de cette peinture reste floue, comme c'est souvent le cas avec les œuvres circulant sur le marché de l'art néerlandais animé du début des années 1600.

Elle a probablement passé entre les mains de collectionneurs privés avant d'entrer dans une collection de musée, où elle se dresse comme un témoignage de la polyvalence de Bloemaert : il était tout aussi à l'aise avec des sujets religieux, mythologiques et pastoraux. Aujourd'hui, Cérès et Proserpine est appréciée non seulement pour sa narration, mais aussi comme un bel exemple du mélange d'élégance italienne et de détails nordiques de l'école d'Utrecht. Sa survie et son exposition continue nous permettent d'entrevoir l'attrait durable des histoires anciennes, racontées en peinture pour un nouveau public.