Lorsque El Greco a peint Christ en Sauveur vers 1610, il approchait de la fin de sa vie à Tolède, et son atelier produisait plusieurs versions de cette image saisissante. La composition est devenue si recherchée qu'au moins cinq variations sont connues, chacune avec des différences subtiles, alimentant le débat parmi les chercheurs sur celles qui portent la main du maître. Cette répétition témoigne de la profonde résonance que le sujet avait pour les mécènes de El Greco et du climat dévotionnel de l'Espagne du début du XVIIe siècle, où les images de la majesté solitaire du Christ étaient très demandées. La peinture capture le Christ au moment où il se révèle comme le Rédempteur du monde, tenant un orbe en cristal dans sa main gauche, symbole de son règne sur la Terre, et levant sa droite en bénédiction.

Le visage lumineux et allongé, avec ses yeux scrutateurs et sa barbe délicate, attire le spectateur dans une rencontre directe, presque troublante. L'arrière-plan est sombre et indéfini, concentrant toute l'attention sur la figure du Christ, dont la robe scintille de bleus et de rouges froids, peints avec la technique caractéristique de coups de pinceau tourbillonnants de l'artiste. Contrairement aux Christs formels et statiques des peintres de la Renaissance antérieurs, comme le Salvator Mundi de Titien, le Christ de El Greco semble flotter entre le ciel et la terre, son corps façonné par la lumière et l'intensité spirituelle. Le mécène exact de cette version n'est pas enregistré, mais des œuvres de ce type étaient souvent commandées pour la dévotion privée ou de petites chapelles.

Au fil des siècles, Christ en Sauveur a été attribué à la fois à El Greco lui-même et, parfois, à son fils Jorge Manuel, reflétant la nature collaborative de son atelier tardif. Aujourd'hui, la peinture est célébrée comme un exemple marquant du style tardif de El Greco, où sa vision est devenue de plus en plus personnelle et abstraite, influençant des artistes ultérieurs, des Expressionnistes à Picasso. Son parcours de la Tolède du XVIIe siècle aux collections modernes reflète la fascination durable pour l'approche singulière de l'artiste envers les sujets sacrés.