Lorsque La Femme étranglée est apparue pour la première fois dans le monde de l'art parisien en 1876, elle a provoqué un léger émoi parmi les contemporains de Cézanne, non seulement en raison de son sujet brutal mais aussi du mystère entourant ses origines. Contrairement à beaucoup de ses paysages et natures mortes, cette peinture plonge dans le territoire sombre de la violence, et son titre même—"La Femme Étranglée"—suggère une narration à la fois choquante et ambiguë. Aucun document écrit n'explique pourquoi Paul Cézanne a choisi ce sujet, et le médium de la peinture reste incertain, ajoutant à son statut énigmatique.

Certains critiques de l'époque se demandaient si Cézanne répondait à des rapports criminels sensationnels dans la presse, ou s'il faisait un commentaire voilé sur la condition humaine. La toile capture un moment de silence glaçant : le corps sans vie d'une femme, la tête tordue de manière antinaturelle, ses membres écartés dans un espace nu et indéfini. Le coup de pinceau de Cézanne est brut, presque sculptural, avec des traits épais et urgents qui semblent enfoncer la tragédie dans la surface elle-même. La palette est terne—des bruns terreux, des verts maladifs et des violets meurtris—intensifiant le sentiment de poids corporel et de finalité.

Contrairement à la violence mélodramatique de Delacroix ou aux scènes de mort théâtrales de Géricault, Cézanne n'offre aucun contexte narratif, aucun agresseur visible ni motif, seulement les conséquences. Le spectateur est laissé à confronter le corps directement, l'horreur sans intermédiaire, et à chercher un sens dans la confrontation brutale entre chair et peinture. On sait peu de choses sur l'histoire précoce de La Femme étranglée ; elle n'apparaît pas dans les principaux catalogues d'exposition de l'époque, et sa provenance avant le XXe siècle est incertaine. Les chercheurs croient qu'elle a été peinte pendant ce que l'on appelle la "période sombre" de Cézanne, lorsqu'il expérimentait des thèmes plus sombres et une technique plus lourde et empâtée.

L'anonymat de la peinture de son vivant peut refléter le malaise qu'elle a provoqué, ou simplement sa divergence de ses sujets plus commercialement viables. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage rare et troublant de la volonté de l'artiste d'explorer les extrêmes de l'expérience humaine, et sa présence dans les collections modernes rappelle l'ampleur et l'inquiétude de la vision de Cézanne.