Peu d'images de la Vierge Marie ont inspiré autant de copies et de dévotions que la Mater Dolorosa de Bartolomé Estebán Murillo. À Séville au XVIIe siècle, la vision tendre de Murillo de la Madone en deuil est devenue si appréciée que les églises et les collectionneurs privés réclamaient des versions, amenant l'artiste et son atelier à produire de multiples interprétations. La popularité de cette Vierge douce et triste a marqué un tournant dans l'art religieux espagnol : ici, l'accent n'est pas mis sur le drame ou le spectacle, mais sur l'émotion humaine intime. Murillo choisit de montrer Marie au sommet de sa tristesse, les yeux brillants de larmes non versées, les mains jointes dans une prière silencieuse.

C'est le moment après la Crucifixion, lorsque, selon la tradition, Marie contemple la souffrance et la mort de son fils. L'absence de détails d'arrière-plan, la douce lumière dorée et le rendu délicat de son voile attirent le regard du spectateur vers son visage—une image de chagrin qui invite à l'empathie plutôt qu'à l'admiration. Contrairement à l'angoisse aiguë que l'on trouve dans la Mater Dolorosa de Titien, la Vierge de Murillo est douce, sa douleur est intériorisée, sa beauté n'est pas diminuée par la souffrance. La commande originale pour cette Mater Dolorosa en particulier reste incertaine, tout comme son histoire précoce—un sort commun aux œuvres dévotionnelles de Murillo, qui ont été largement diffusées et souvent copiées.

Ce qui est clair, c'est qu'à la fin du XVIIe siècle, les images de la Vierge de Murillo étaient devenues des modèles pour les artistes espagnols et latino-américains, consolidant sa réputation en tant que peintre de la compassion et de la grâce. Aujourd'hui, cette Mater Dolorosa est reconnue comme une référence de l'imagerie mariale baroque, sa douce mélancolie résonnant encore avec les spectateurs des siècles après avoir quitté l'atelier de l'artiste à Séville.