En 1917, la police a fermé la première exposition solo de Amedeo Modigliani à Paris après seulement quelques heures, scandalisée par la sensualité franche de ses nus. Parmi les œuvres qui ont suscité l'indignation se trouvait Nu couché avec cheveux lâchés, une peinture dont la pose désinhibée et le regard direct défiaient les conventions de l'époque. Ce n'était pas une Vénus classique, mais une femme moderne, sans honte et non idéalisée, son corps rendu avec une audace qui choqua même l'avant-garde.

La fermeture brutale de l'exposition n'a fait qu'accroître l'attrait de ces peintures, assurant leur place dans l'histoire de l'art en tant que symboles de rébellion artistique et de modernité. La femme dans Nu couché avec cheveux lâchés est allongée sur un lit, ses cheveux sombres tombant librement sur ses épaules, son corps dessiné par de longues courbes sinueuses. Ses yeux rencontrent ceux du spectateur avec un mélange de défi et d'intimité, tandis que son bras gauche soutient sa tête dans un geste de détente. La palette chaude et terreuse et les formes simplifiées rappellent l'influence de la sculpture africaine et le travail de Paul Cézanne, mais la franchise de la peinture est distinctement celle de Modigliani.

Contrairement aux nus timides et voilés de Ingres ou aux prétextes mythologiques de Titien, le modèle de Modigliani est présenté sans allégorie ni excuse, son humanité et son individualité étant mises en avant. L'histoire précise de la commande et de la propriété précoce de cette peinture n'est pas entièrement documentée, un destin commun à de nombreux nus de Modigliani, qui étaient souvent peints pour son marchand, Léopold Zborowski, et vendus directement depuis l'atelier. Au fil des ans, Nu couché avec cheveux lâchés a circulé dans des collections privées et des expositions, sa réputation grandissant à mesure que l'importance de Modigliani pour l'École de Paris devenait claire. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de sa carrière brève mais influente, qui a été interrompue par la maladie en 1920.

La puissance durable de la peinture réside non seulement dans sa beauté, mais aussi dans son rôle en tant que référence pour les idées modernes sur le corps, la sexualité et le regard de l'artiste.