Dans la dernière décennie de sa vie, Bartolomé Estebán Murillo s'est tourné à plusieurs reprises vers le thème de la Crucifixion, produisant plusieurs versions pour les églises et la dévotion privée. La Crucifixion de 1675 se distingue par son approche intime et sa retenue émotionnelle, reflétant le style mature de l'artiste. Contrairement aux grands retables de sa jeunesse, cette œuvre était probablement destinée à une chapelle plus petite ou à un mécène privé, invitant à la contemplation solitaire.

La provenance de la peinture n'est pas entièrement documentée, mais sa composition et son ambiance marquent un changement distinct par rapport aux représentations espagnoles antérieures et plus théâtrales de la mort du Christ. Au cœur de la scène, le Christ pend seul sur la croix, suspendu contre un fond sombre et indéfini. Murillo a choisi le moment juste après la mort de Jésus, avec le corps s'affaissant doucement, la tête inclinée en signe de reddition. L'absence de pleureurs ou de soldats attire le regard du spectateur vers le subtil jeu de lumière sur la chair du Christ, mettant en évidence les blessures et la délicate chute du lin.

La douceur caractéristique de l'artiste est évidente dans le modelage du corps et l'illumination douce, un contraste marqué avec la précision anatomique austère de Diego Velázquez dans son précédent Christ crucifié. Ici, le drame est interne, exprimé à travers la posture résignée et la sérénité sur le visage du Christ. Les origines précises de cette peinture demeurent incertaines, car les archives de Séville de Murillo sont fragmentaires. Ce qui est clair, c'est que des œuvres comme celle-ci ont cimenté sa réputation en tant que peintre de l'intimité religieuse, admiré pour sa capacité à émouvoir les spectateurs à une réflexion silencieuse.

Au fil des siècles, La Crucifixion a changé de mains privées à des collections publiques, son attribution à Murillo n'ayant jamais été sérieusement contestée en raison de son style inconfondable. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la période tardive de l'artiste, lorsque son pinceau s'est de plus en plus tourné vers le spirituel et le contemplatif, façonnant l'art dévotionnel de l'Espagne baroque.