En septembre 1889, Vincent van Gogh écrivit à son frère Theo au sujet d'une peinture qu'il venait de terminer, la décrivant comme "presque une abstraction" et notant comment les champs jaunes flamboyants et la forme du moissonneur semblaient se fondre sous le soleil du sud. Champ de blé avec un moissonneur est l'une des plusieurs peintures que Van Gogh réalisa depuis sa fenêtre à l'asile de Saint-Rémy-de-Provence, où il était confiné volontairement après une période de crise mentale. Les lettres de l'artiste révèlent qu'il voyait le moissonneur non pas comme un symbole de la mort, mais comme une "figure du grand cycle de la nature", récoltant la vie sous le soleil implacable.

Cette peinture se distingue par son intensité et la manière dont le coup de pinceau de Van Gogh repousse les limites entre représentation et émotion. La scène capture un moissonneur solitaire, la faux à la main, se penchant sur son travail sous un ciel embrasé de lumière jaune. Le blé, rendu en traits épais et tourbillonnants, semble onduler de chaleur et de mouvement, tandis que les collines bleues au loin offrent un contrepoint frais. Le choix de Van Gogh de placer le moissonneur petit et presque englouti par le champ doré souligne l'énormité de la nature et le cycle de la vie et de la mort.

Contrairement aux paysans sobres et monumentaux de Jean-François Millet, la figure de Van Gogh est presque perdue dans le paysage, une présence fugace plutôt qu'un héros. Le soleil, haut et inflexible, projette une lumière plate qui aplatit l'espace, rendant la peinture à la fois immédiate et onirique. Champ de blé avec un moissonneur est l'une des plusieurs versions que Van Gogh peignit de ce sujet pendant son séjour à Saint-Rémy, chacune explorant différentes ambiances et couleurs. La provenance exacte de cette version particulière est complexe ; elle a passé par des mains privées avant d'entrer dans des collections publiques, et son médium—qu'il s'agisse d'huile sur toile ou d'un autre support—a parfois été débattu.

Aujourd'hui, elle est reconnue comme une œuvre clé de la période tardive de Van Gogh, lorsque son style est devenu plus expressif et personnel. Le parcours de la peinture reflète celui de Van Gogh lui-même : de l'isolement et de la lutte à la reconnaissance posthume, son énergie vibrante est désormais admirée dans des musées du monde entier.