Lorsque Femme Se Séchant le Pied a été exposée pour la première fois, elle a immédiatement été reconnue comme faisant partie de l'audacieuse exploration du monde privé des femmes par Edgar Degas. Cette peinture appartient à une série remarquable dans laquelle Degas revenait, encore et encore, au motif des femmes se baignant, un sujet qui fascinait et troublait le public parisien dans les années 1880. Les critiques de l'époque ont remarqué les angles de vue inhabituels et le sens de l'intimité franche, notant que les baigneuses de Degas semblaient inconscientes du regard du spectateur.

L'artiste lui-même, dans une lettre, a insisté : “J'ai peut-être trop souvent traité ces femmes comme des animaux dans un zoo.” La franchise de l'œuvre—ni idéalisante ni moralisatrice—a suscité un débat sur la décence et la modernité dans l'art. La peinture capture une femme perchée sur le bord d'une baignoire basse, se tournant gracieusement pour sécher son pied avec une serviette. Sa pose, maladroite mais naturelle, est figée au moment où équilibre et vulnérabilité se rencontrent. La lumière douce et diffuse tombe sur son dos, illuminant la courbe de sa colonne vertébrale et la tension subtile de ses membres.

L'utilisation par Degas de coups de pinceau semblables à des pastels (le médium exact est débattu) et sa palette atténuée créent un sentiment d'immédiateté, comme si la scène était aperçue à travers une porte entrebâillée. Contrairement aux baigneuses mythiques de Ingres ou aux nus classiques de Titien, le modèle de Degas est sans défense, absorbé dans son propre monde, son geste dépouillé de toute allégorie ou narration, sauf l'acte simple de prendre soin de son corps. Comme pour beaucoup d'œuvres de Degas des années 1880, l'histoire précise de Femme Se Séchant le Pied n'est pas entièrement documentée. Il est probable que la peinture n'ait jamais été commandée formellement, mais qu'elle soit née des études privées de l'artiste sur la figure féminine, un thème auquel il est revenu de manière obsessionnelle dans ses dernières années.

L'œuvre a passé par plusieurs mains, souvent regroupée avec des compositions similaires dans de grandes rétrospectives qui tracent l'évolution de Degas des scènes impressionnistes à des sujets plus intimes et intérieurs. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de l'observation incessante de Degas et de son défi aux conventions tant du genre que du regard. Sa place dans son œuvre marque un tournant : du tumulte de la scène de ballet aux rituels silencieux de la vie quotidienne.