Pochi soggetti affascinavano Peter Paul Rubens più della Crocifissione, e lui vi tornò ripetutamente nel corso della sua carriera; tuttavia, il Calvario del 1675 si distingue per la sua tumultuosa storia di attribuzione. Per secoli, studiosi si sono interrogati se questo dipinto fosse un'opera autografa di Rubens, un pezzo di studio o una copia successiva, a causa della sua data tardiva e delle drammatiche differenze stilistiche rispetto ai suoi trattamenti precedenti. La questione rimane aperta, alimentando il dibattito tra storici dell'arte e collezionisti. Il dipinto cattura il momento in cui Cristo è appeso alla croce, affiancato dai due ladroni, mentre una folla di soldati, di persone in lutto e di spettatori si agita sotto il cielo oscurato dalla tempesta.

Rubens sceglie l'istante di maggiore dramma umano: Maria sviene per il dolore, sorretta da Giovanni, mentre Maria Maddalena afferra il piede della croce, i suoi capelli dorati catturano la luce. I corpi contorti e i volti angosciati, resi con il vigoroso tocco di pennello di Rubens, intensificano il senso di caos e sofferenza. A differenza dell'ordine sereno della Crocifissione di Diego Velázquez, la composizione di Rubens è densa e cinetica, le figure si accavallano in una disperata ricerca di significato in mezzo alla tragedia. La provenienza di questo Calvario è tanto intricata quanto la sua composizione.

Sebbene la commissione originale non sia documentata in modo sicuro, lo stile e le dimensioni del dipinto suggeriscono che fosse destinato a un'importante sede ecclesiastica, forse ad Anversa, dove Rubens trascorse gran parte della sua carriera. Nel corso dei secoli, l'opera è passata attraverso diverse collezioni private, a volte attribuita a seguaci o imitatori prima di essere riesaminata nel ventesimo secolo. Oggi è riconosciuta come un esempio significativo—sebbene contestato—della pittura religiosa tardo barocca, e continua a suscitare discussioni sulle pratiche del laboratorio di Rubens e sul potere duraturo della sua visione.