Quando Anthony van Dyck dipinse Katherine Manners nel 1633, era al culmine della sua carriera inglese, servendo come pittore di corte principale per il re Carlo I. Ciò che rende questo ritratto particolarmente intrigante è la vita drammatica del suo soggetto: Katherine Manners non era solo la duchessa di Buckingham, ma anche la donna più ricca d'Inghilterra dopo il suo matrimonio con George Villiers, il favorito del re. La sua unione nel 1620 suscitò scalpore: si convertì al cattolicesimo, sfidando la sua famiglia e la corte in un momento di tensione religiosa.

Così, il dipinto cattura non solo una nobildonna, ma una figura al centro della controversia politica e sociale. Van Dyck sceglie un momento di dignità composta, presentando Katherine in un abito elegante, il suo sguardo è diretto ma riservato. La ricchezza del suo vestito, con il suo pizzo intricato e le perle, segnala il suo alto status, mentre la palette sobria e la dolce gestione della luce le conferiscono un'aria di introspezione. La delicata posizione della sua mano sul cuore può alludere alla lealtà o a una convinzione personale, un sottile cenno alla sua fermezza nella fede e nel matrimonio.

Rispetto ai ritratti più teatrali di Peter Paul Rubens, l'approccio di van Dyck è più silenzioso, concentrandosi sulla presenza psicologica piuttosto che su una mostra ostentata. I dettagli esatti della commissione di Katherine Manners rimangono incerti, ma probabilmente fu dipinta per la famiglia Villiers o come parte della serie di aristocratici inglesi di van Dyck. Nel corso dei secoli, il ritratto è passato attraverso collezioni private, sopravvivendo ai tumultuosi eventi della Guerra Civile Inglese e alla dispersione di molte proprietà nobili. Oggi, si erge come un testimone dell'influenza di van Dyck sul ritratto inglese, segnando un cambiamento verso una maggiore intimità e realismo nel genere.

L'attuale sede del dipinto non è sempre elencata pubblicamente, riflettendo il suo continuo desiderio tra collezionisti e istituzioni.