Quando Édouard Manet dipinse Ritratto di Faure come Amleto nel 1877, catturò non solo un attore celebre, ma anche un momento di febbre teatrale parigina. Jean-Baptiste Faure, famoso baritono e amico di Manet, era salito sul palco nel ruolo di Amleto al Théâtre de l’Odéon, suscitando sia fascino che controversie tra critici e pubblico. Il dipinto si erge come una rara intersezione tra arte visiva e performance, immortalizzando un cantante nei panni del principe più tormentato di Shakespeare.

L'opera non era una commissione, ma un tributo: Manet ammirava l'arte di Faure, e Faure, a sua volta, era un importante collezionista delle opere di Manet. La scena scelta da Manet è uno dei momenti di introspezione di Amleto, sospeso tra azione e paralisi. Faure, vestito di nero come Amleto, si trova di fronte a uno sfondo scuro e ambiguo, il suo sguardo è lontano e tormentato, una mano stringe una catena alla vita. La catena potrebbe alludere ai pesi della coscienza o ai simboli della regalità, mentre la palette cupa e l'illuminazione drammatica isolano la figura, intensificando il senso di angoscia interiore.

A differenza degli Hamlets vibranti e teatrali di Delacroix, l'approccio di Manet è ridotto: psicologico piuttosto che narrativo, il dramma si svolge nel volto del soggetto piuttosto che su un grande palcoscenico. Dopo la sua creazione, Ritratto di Faure come Amleto rimase nella collezione personale di Faure, un testimone dei legami stretti tra artista e soggetto. Nel corso degli anni, il dipinto è apparso in diverse retrospettive dell'opera di Manet, riflettendo la sua importanza sia come ritratto che come documento di scambio culturale nella Parigi della fine del XIX secolo. Oggi è conservato in una collezione pubblica, dove continua a intrigare gli spettatori con la sua miscela di teatralità e introspezione.

Per Manet, questo ritratto segnò un'esplorazione tardiva della profondità psicologica, preannunciando il focus modernista sulle complessità dell'identità e della rappresentazione.