Poche opere di Francisco de Zurbarán hanno suscitato tanto dibattito riguardo al loro originale commissionamento quanto San Giovanni Battista del 1638. Gli studiosi rimangono incerti se l'opera fosse destinata a un contesto monastico o a un patrono privato, poiché non sono sopravvissuti registri o contratti antichi. Ciò che è certo è che Zurbarán è tornato a questo soggetto più volte, creando almeno tre versioni conosciute, ognuna con sottili differenze nel costume e nel paesaggio.

Il dipinto del 1638 si distingue per la sua atmosfera solitaria, quasi meditativa, una qualità che ha portato alcuni a speculare che fosse destinato a una contemplazione tranquilla piuttosto che a una mostra pubblica. Al centro dell'immagine, il giovane San Giovanni si trova solo nel deserto, con lo sguardo rivolto verso l'alto come se stesse ascoltando una voce divina. Vestito con una tunica di pelo di cammello e tenendo una sottile croce di canna, è inconfondibilmente il precursore di Cristo, la "voce che grida nel deserto" dei Vangeli. L'agnello ai suoi piedi è un simbolo diretto di Cristo, che Giovanni identificherà più tardi come l'"Agnello di Dio".

L'uso della luce intensa da parte di Zurbarán, che cade sul volto e sulle mani del santo, lo isola dallo sfondo scuro e roccioso, concentrando l'attenzione dello spettatore sulla sua chiamata spirituale. A differenza delle composizioni dinamiche e affollate di Caravaggio o Murillo sullo stesso tema, il Giovanni di Zurbarán è tranquillo e introspettivo, invitando lo spettatore a un momento di rivelazione privata. La storia precisa di questo dipinto è perduta, ma è tipica delle opere che Zurbarán produsse durante il suo periodo maturo a Siviglia, quando era favorito dagli ordini religiosi per il suo stile austero e devozionale. Nel corso dei secoli, San Giovanni Battista è passato attraverso diverse collezioni, riflettendo i cambiamenti nei gusti e l'appeal duraturo della visione di Zurbarán.

Oggi, è ospitato nel Museo del Prado, dove si erge come un testimone della capacità dell'artista di fondere realismo con intensità spirituale. Il dipinto rimane un punto di riferimento per comprendere il posto unico di Zurbarán nel Barocco spagnolo, bilanciando solitudine e fede in una figura unica e indimenticabile.