Quando Francisco de Zurbarán dipinse Santa Rufina nel 1637, rispondeva a una commissione unica della corporazione dei vasai di Siviglia, che venerava Rufina come la loro santa patrona. La devozione della città verso questa giovane martire era così forte che Zurbarán dipinse il suo ritratto almeno tre volte, ogni versione leggermente diversa, riflettendo l'orgoglio feroce degli artigiani sevillani. Il dipinto che ora si trova nel Museo del Prado è il più celebrato e, nel XVIII secolo, fu persino scambiato per un ritratto di una nobildonna sevillana, testimonianza del vivido realismo che Zurbarán riuscì a ottenere. Zurbarán cattura Santa Rufina nel momento della sua tranquilla sfida, pochi istanti prima del suo martirio nel 287 d.C.

per essersi rifiutata di rinunciare alla sua fede cristiana. Vestita con abiti semplici e luminosi e tenendo in mano una giara di argilla—l'emblema del suo mestiere—si trova sola, con lo sguardo fermo e composto. La ceramica rotta ai suoi piedi allude sia alla sua occupazione che agli strumenti della sua persecuzione, mentre il ramo di palma nella sua mano segnala il suo imminente martirio.

A differenza delle rappresentazioni più drammatiche ed emotive dei santi da parte di El Greco, la Rufina di Zurbarán è calma e ferma, la sua santità espressa attraverso la quiete e la chiarezza piuttosto che attraverso il movimento o l'estasi. Il percorso esatto di questo dipinto attraverso i secoli non è completamente documentato, ma si sa che Santa Rufina fu creata durante il periodo più prolifico di Zurbarán, quando era il pittore principale di immagini religiose per le chiese e le corporazioni di Siviglia. Il suo stile—contraddistinto da forti contrasti di luce e ombra e da un focus su oggetti umili e quotidiani—diventerebbe un marchio distintivo del Barocco spagnolo. Oggi, il dipinto è appeso nel Museo del Prado, dove si erge come un testimone sia della fede dei vasai di Siviglia che della visione unica di Zurbarán, che ha dato alla sua santa patrona un volto sia umano che eroico.