Quando Vincent van Gogh dipinse Natura morta con un piatto di cipolle nel gennaio del 1889, si stava riprendendo dall'infame episodio ad Arles che lo portò a essere ricoverato in ospedale dopo essersi mutilato un orecchio. Il dipinto fu creato durante la sua convalescenza, un periodo segnato sia dal dolore fisico che dalla ricerca di stabilità. Si erge come un testamento silenzioso della sua resilienza: mentre il mondo esterno era turbolento, Van Gogh rivolse il suo sguardo verso gli umili oggetti che lo circondavano.

Le cipolle, un pasto semplice, potrebbero essere state tutto ciò che poteva permettersi o digerire in quel momento, e la loro presenza nel dipinto è sia letterale che simbolica — una registrazione di difficoltà e resistenza. Sul tavolo, un piatto bianco colmo di cipolle si trova accanto a una bottiglia, un pane e una lettera. Gli oggetti sono resi con spesse pennellate vorticosi, ogni contorno vibra con l'energia della mano di Van Gogh. Le cipolle, con le loro pelli cartacee e radici intrecciate, sembrano quasi vive, le loro forme echeggiano la turbolenza della mente dell'artista.

La lettera, indirizzata a suo fratello Theo, accenna all'importanza della famiglia e della comunicazione nella vita di Van Gogh — un'ancora in tempi difficili. A differenza delle nature morte lucide di Jean-Baptiste-Siméon Chardin, la composizione di Van Gogh è cruda e immediata, i colori e le texture intensificano il senso di presenza e vulnerabilità. Il mezzo esatto di Natura morta con un piatto di cipolle non è sempre specificato, ma è generalmente accettato come olio su tela, tipico delle opere di Van Gogh di questo periodo. Il dipinto non era un commissione, ma un'opera profondamente personale, che rimase con l'artista fino alla sua morte più tardi quell'anno.

Alla fine passò sotto la cura di Theo van Gogh e poi al Museo Van Gogh di Amsterdam, dove risiede oggi. Questa natura morta è spesso vista come una finestra intima sull'esistenza quotidiana e sullo stato d'animo di Van Gogh durante uno dei capitoli più difficili della sua carriera, incarnando sia la sua sofferenza che la sua incrollabile dedizione all'arte.