Nessun altro dipinto di Diego Velázquez ha suscitato tanto dibattito sulla vera natura del ritratto quanto Il Buffone, Pablo de Valladolid. Quando entrò nella collezione reale spagnola, la sua radicale assenza di ambientazione—nessun pavimento, nessun muro, solo una figura sospesa in un vuoto—ha lasciato perplessi sia gli spettatori che i critici. Il soggetto, Pablo de Valladolid, era un buffone al servizio del re Filippo IV, e il trattamento che Velázquez gli riservò infranse tutte le convenzioni sia del ritratto che della pittura di genere.

La composizione audace del dipinto portò il critico del XIX secolo Théophile Gautier a esclamare: “Lui è lì, solo, su nulla, in nulla, come una visione.” Fino ad oggi, studiosi continuano a dibattere se l'opera fosse destinata a essere un ritratto formale, una scena di genere o qualcosa di più sperimentale. Pablo si trova a metà gesto, con la mano destra tesa come se stesse recitando una battuta o richiamando l'attenzione di un pubblico invisibile. La sua posa teatrale e il movimento del suo costume nero suggeriscono un momento di performance—forse recitando o scherzando davanti al re e alla corte. L'assenza di qualsiasi sfondo o accessorio concentra tutta l'attenzione sul suo volto espressivo e sulla sua postura vivace, invitandoci a vedere la dignità e l'individualità di un uomo il cui ruolo ufficiale era quello di intrattenere.

Il tratto di pennello sciolto e fluido di Velázquez, specialmente nelle mani e nel volto, infonde vita alla figura, distinguendola dai ritratti più formali e statici di cortigiani o monarchi. Rispetto a Il Nano Don Sebastián de Morra di Velázquez, che colloca il suo soggetto in uno spazio cupo e chiuso, Il Buffone, Pablo de Valladolid appare sorprendentemente moderno, quasi astratto nella sua semplicità. La data esatta e le circostanze della commissione del dipinto rimangono incerte, sebbene sia probabile che sia stato creato durante il secondo decennio di Velázquez alla corte spagnola, alla fine degli anni '30 del Seicento. È sempre appartenuto alla collezione reale spagnola, sopravvivendo ai tumultuosi cambiamenti di guerra e regime, e oggi è esposto al Museo del Prado di Madrid.

Il dipinto segna un punto di svolta nella carriera di Velázquez, mentre si allontanava dalla ritrattistica convenzionale verso un approccio più libero e psicologico. La sua composizione radicale e il suo sguardo umanizzante lo hanno reso un punto di riferimento per gli artisti successivi, che vi vedono una sfida precoce ai confini dell'arte e della realtà.