Quando Anthony van Dyck dipinse Il rapimento di Europa nel 1634, era già un ritrattista celebrato in Inghilterra, ma questa tela mitologica si distingue come uno dei suoi rari tentativi nella pittura narrativa grandiosa. Il soggetto era un favorito tra le corti europee, e la versione di Van Dyck fu probabilmente creata durante il suo mandato come pittore di corte per Carlo I, che ammirava tali temi mitologici per la loro risonanza allegorica con il potere reale. A differenza delle interpretazioni più famose di Tiziano e Rubens, l'interpretazione di Van Dyck è meno frequentemente vista, rendendo quest'opera una finestra affascinante sulle ambizioni dell'artista oltre il ritratto.

La provenienza del dipinto non è completamente documentata, aggiungendo un'aria di intrigo alla sua storia. Al centro della scena c'è il momento in cui Europa, una principessa fenicia, viene portata via da Giove, che ha assunto la forma di un toro bianco. Van Dyck cattura l'istante in cui Europa, seduta precariamente sulla schiena del toro, si volta allarmata verso i suoi compagni sulla riva, il suo drappeggio che sventola e una mano tesa in un gesto sia di addio che di paura. La calma del toro, quasi gentile, contrasta con il tumulto delle donne lasciate indietro, i cui braccia sono sollevate in angoscia.

Colori ricchi e movimento dinamico—caratteristiche del Barocco—animano la tela, mentre le onde turbolente del mare prefigurano il viaggio di Europa verso Creta. Rispetto alla versione lussureggiante e sensuale di Tiziano, l'Europa di Van Dyck è più vulnerabile, la sua innocenza sottolineata dalla delicata gestione della sua figura e dall'energia ansiosa nella composizione. La storia successiva del dipinto è meno nota del suo soggetto. Sebbene alcune fonti suggeriscano che sia rimasto in Inghilterra dopo la morte di Van Dyck, la sua provenienza iniziale è incerta e ha passato attraverso diverse collezioni private nel corso dei secoli.

Oggi, Il rapimento di Europa è riconosciuto come un'opera mitologica rara di Van Dyck, la cui reputazione si basa in gran parte sui suoi ritratti. La sua sopravvivenza offre uno sguardo sulla versatilità dell'artista e sui gusti dei mecenati del XVII secolo, che apprezzavano tali scene per la loro fusione di apprendimento classico e narrazione drammatica.