ジョット・ディ・ボンドーネが1310年頃に聖母の死を描いたとき、彼はすでに神聖なものの見方を変えることで称賛されていました。この作品が特に注目に値するのは、当時のほとんどのアーティストがスタイライズされた象徴的なジェスチャーに固執していた時期に、聖母マリアの死を生々しい人間の悲しみを示す形で描いた西洋美術の最も初期の作品の一つであるからです。この絵の感情的なリアリズムは、イタロ・ビザンティンの伝統からの明確な断絶を示し、その影響は聖書の物語を日常の経験に近づけようとした世代のアーティストたちに波及しました。 このシーンは、聖母の最後の瞬間を展開し、使徒たちが彼女のベッドの周りに集まり、目に見える悲しみを抱いています。ジョットの人物は硬直したアイコンではなく、各々がジェスチャーと視線を通じて喪失を表現する個人です：一人の使徒は聖母の手を握り、別の使徒は自分のローブに顔を埋めています。キリストは彼女の上に立ち、小さく輝く姿—マリアの魂—を白い布で包んで持っています。これは中世の象徴であり、地上の生活から天国への移行を表しています。金色の背景はビザンティン美術の名残であり、ジョットの人物の重さとボリュームと対比を成し、神聖なものを肉体と悲しみの世界に固定しています。ドゥッチョなどの以前のバージョンと比較して、ジョットの使徒たちは単なる目撃者ではなく、深い人間ドラマの参加者です。 聖母の死のオブジェクトとしての正確な歴史は、いまだいくつかの不確実性に包まれています。その元の場所は時の流れに失われていますが、学者たちはそれがおそらくより大きな祭壇画の一部であり、フィレンツェの教会のために委託された可能性があると考えています。数世紀にわたり、このようなパネルはしばしば分離され、取引され、または変更されてきましたが、この作品の旅も例外ではありません—その媒介もまた学術的な議論の対象です。今日、この作品は14世紀初頭の稀な生き残りとして、ジョットの革命的なビジョンの証であり、ヨーロッパ絵画における自然主義の誕生の基準となっています。