1561年、ヴェネツィアの貴族トンマソ・ランゴーネがティツィアーノに、彼の私的な礼拝堂のために聖フランシスコの受難の強烈なビジョンを描くよう依頼しました。これはティツィアーノがこのテーマに取り組むのは初めてではなく、彼は以前に少なくとも2つのバージョンを描いていましたが、この晩年の作品は、その生々しさ、ほとんど肉体的な出会いの感覚で際立っています。この依頼は信仰の宣言であり、地位の象徴でもありました。医師であり学者であるランゴーネは、聖人の神秘的な経験を永遠にするために、ヴェネツィアで最も有名な画家を選びました。この絵の名声はすぐに広まり、当時の作家たちはその感情的な力と大胆な色使いに注目しました。 シーンの中心には、神聖な断絶の瞬間があります。聖フランシスコは岩だらけの荒野にひざまずき、突然現れた天使的なキリストに心を奪われ、彼は十字架の傷で印を付けられます。聖人の手は高く上げられ、彼の顔は驚きと痛みで上を向いており、金色の光の束が彼の肉体を貫通します。粗い茶色の僧衣、彼の足元の頭蓋骨、そして風に吹かれた風景は、超自然的なものが介入する中でも、このビジョンを感覚の世界に固定しています。ジョヴァンニ・ベリーニの明確で秩序ある構図とは異なり、ティツィアーノの筆致は緩やかで緊急性があり、色彩は燃え上がっています—この視覚的な言語は、奇跡を即座に感じさせ、現実的にします。 この絵が創作された後の正確な旅路は完全には記録されていませんが、この種の作品は、ルネサンス後期において、私的な信仰と公共の展示の両方で非常に重視されていたことが知られています。1560年代にはティツィアーノの評判は比類なく、この絵は彼の晩年の作品に属し、彼の技法はより自由になり、宗教的なテーマはより感情的なものとなりました。聖フランシスコの受難は、精神的な経験への大胆なアプローチで称賛されてきましたが、今日でもヴェネツィアの宗教画の進化を理解するための重要な基準となっています。現在の所蔵先はプラド美術館であり、観客をその瞬間の神秘とドラマに引き込んでいます。