Quando Depois do Banho, Mulher Secando-se apareceu pela primeira vez em público, os espectadores ficaram surpresos com sua perspectiva radical e intimidade. Ao contrário dos grandes nus do passado, Edgar Degas ofereceu um vislumbre privado do ritual diário de uma mulher, um tema que ele revisitava repetidamente nas décadas de 1880 e 1890. O próprio Degas descreveu essas obras como mostrando "mulheres vistas como se através de uma chave", capturando momentos que nunca foram destinados ao olhar público.

A pintura faz parte de uma série—Degas fez pelo menos dez versões, experimentando com pose, luz e meio, borrando a linha entre a obra de arte finalizada e o estudo. Aqui, a mulher se inclina para frente, de costas para nós, absorvida no ato de se secar após o banho. A composição é cortada de forma apertada, como se o espectador tivesse tropeçado na cena sem aviso. Os tons de pele são retratados com pinceladas suaves e quebradas, enquanto a toalha que ela segura brilha com uma qualidade pálida, quase luminosa—talvez uma referência à influência das gravuras japonesas, que Degas admirava.

Ao contrário dos nus míticos de Ingres ou das deusas polidas de Bouguereau, o modelo de Degas é anônimo e não idealizado, sua postura é desajeitada, mas real. O foco não está na sedução, mas nos gestos ordinários e repetitivos da vida cotidiana. O meio preciso desta obra ainda é debatido—Degas frequentemente sobrepunha pastéis a impressões de monotipo ou usava uma mistura de materiais, empurrando os limites da técnica. Depois do Banho, Mulher Secando-se pertence a um período em que Degas estava quase cego, confiando tanto no toque e na memória quanto na visão.

Muitas dessas banhistas permaneceram em seu estúdio até sua morte em 1917, entrando em coleções públicas e privadas mais tarde. Hoje, a pintura é celebrada como um ponto de virada na representação do nu, marcando o estilo tardio de Degas e sua fascinação pelos momentos não vistos da vida moderna.