Quando Eugène Delacroix exibiu Cleópatra e o camponês no Salão de Paris de 1838, os críticos ficaram impressionados com sua audaciosa escolha de tema: não a famosa morte da rainha, mas o tenso momento privado que a precede. Delacroix, sempre fascinado pelo drama da história antiga, aproveitou o relato de Plutarco sobre as últimas horas de Cleópatra, uma cena raramente pintada em sua época. A recepção da obra foi mista: alguns elogiaram sua profundidade psicológica, enquanto outros acharam sua crueza inquietante.

O que a diferenciava era o foco de Delacroix na humanidade da rainha, em vez de sua lenda. A pintura captura Cleópatra à beira de seu destino, sentada na sombra, com o olhar fixo no camponês que lhe traz a cesta que se diz conter a áspide. O camponês, rude e anônimo, está de pé de forma desajeitada na borda, um cúmplice silencioso da história. O braço nu de Cleópatra e a sutil inclinação de sua cabeça sugerem tanto resignação quanto comando; suas joias brilham na luz tênue, uma última afirmação de realeza em meio à ruína.

A pincelada de Delacroix é solta e carregada, a cor profunda e sombria, ecoando sua anterior Death of Sardanapalus. Ao contrário dos tratamentos mais teatrais de Jean-Léon Gérôme, a Cleópatra de Delacroix está presa em um momento de reflexão privada, seu poder e vulnerabilidade expostos igualmente. A procedência exata de Cleópatra e o camponês não está totalmente documentada, mas sabe-se que permaneceu em mãos privadas durante grande parte do século XIX antes de entrar em uma coleção pública francesa. Seu meio foi listado de várias maneiras como óleo sobre tela ou óleo sobre painel, um detalhe ainda debatido por alguns curadores.

A pintura se ergue como um testemunho da visão romântica de Delacroix e sua fascinação ao longo da vida com a grandeza trágica da antiguidade. Hoje, é reconhecida como uma obra-chave do período maduro do artista, revelando sua habilidade única de fundir história com emoção crua.