Quando Jean-Honoré Fragonard apresentou Coresus se sacrificando para salvar Callirhoe ao concurso do Prix de Rome em 1765, ele ganhou o cobiçado primeiro prêmio, garantindo seu lugar entre os principais jovens artistas da França do século XVIII. Este triunfo não foi apenas uma vitória pessoal para Fragonard, mas também um momento dramático na história da Academia Francesa, já que a intensidade emocional e a encenação teatral da pintura a destacaram das obras mais contidas que os juízes costumavam favorecer. O tema, extraído da Descrição da Grécia de Pausânias, raramente foi pintado, tornando a escolha de Fragonard tanto ambiciosa quanto incomum para a época. No centro da pintura, o sacerdote Coresus crava uma faca em seu próprio peito, seu sacrifício destinado a salvar Callirhoe, a mulher que ama, de ser oferecida para apaziguar os deuses e acabar com uma mortal praga em Calidón.

Callirhoe, desmaiada ao lado do altar, é emoldurada pelos gestos angustiados dos espectadores e pelo interior sombrio do templo. A pincelada em espiral de Fragonard e a iluminação dramática concentram o olhar na figura de Coresus, vestida de branco, na faca sacrificial e no sangue que mancha o altar — símbolos tanto do dever religioso quanto da devoção pessoal. Ao contrário dos tratamentos mais estoicos e neoclássicos do sacrifício de David, a cena de Fragonard pulsa com movimento e emoção, o caos e a dor do momento são refletidos em cada gesto e dobra do tecido. Após seu sucesso no Prix de Rome, Coresus se sacrificando para salvar Callirhoe foi exibido no Salão de 1765, onde atraiu considerável atenção por sua escala e drama.

A pintura foi então enviada a Roma como parte do prêmio de Fragonard, e por um tempo, ficou pendurada na Academia Francesa lá. Ao longo dos séculos, a obra permaneceu na França e hoje está alojada no Musée du Louvre. Para Fragonard, esta pintura marcou um ponto de virada: logo depois, ele abandonaria as grandes telas históricas por cenas mais leves e íntimas que tornariam seu nome sinônimo do movimento Rococó.