Quando Edgar Degas exibiu pela primeira vez Bailarinas na Sala de Ensaio com um Contrabaixo em 1882, os críticos imediatamente notaram seu foco incomum: não o espetáculo da performance, mas o mundo silencioso e cotidiano por trás da cortina. Esta obra faz parte de uma série célebre na qual Degas retornou obsessivamente aos estúdios de balé de Paris, capturando bailarinas não em momentos de glória, mas no meio da prática, do cansaço e da antecipação. A presença do contrabaixo — um motivo raro em suas cenas de balé — gerou especulações entre os espectadores contemporâneos sobre o papel da música e dos músicos na formação do mundo das bailarinas. A pintura congela um momento de transição: jovens bailarinas, algumas se alongando ou perdidas em pensamentos, outras ajustando seus trajes, se reúnem em uma sala de ensaio banhada por uma luz suave.

O contrabaixo, colocado de lado, ancla a composição e sugere a orquestra invisível, um lembrete silencioso da música que governa cada movimento. A pincelada de Degas é rápida e exploratória, sugerindo a natureza efêmera da cena — as saias se desfocam, os membros se dissolvem no chão meio sombreado. Diferente das representações mais formais da vida parisiense de Jean-Béraud, Degas convida o espectador a um espaço íntimo, quase privado, onde disciplina e fadiga se misturam com a promessa da arte. A procedência exata de Bailarinas na Sala de Ensaio com um Contrabaixo não está totalmente documentada, mas obras desse período eram frequentemente adquiridas por colecionadores exigentes em Paris e Londres, ansiosos para possuir uma parte da vibrante modernidade da cidade.

Hoje, a pintura é reconhecida como um exemplo fundamental da fascinação de Degas pelo movimento e pelas realidades do trabalho artístico ao longo de sua vida. Ela se ergue como um testemunho da visão única do artista dentro do movimento Impressionista — mais analítica e interior do que a de seus contemporâneos, sempre em busca da verdade por trás da performance.