Nenhuma outra pintura de Pontormo gerou tanto debate entre os estudiosos quanto seu Cristo morto. As origens exatas desta obra estão envoltas em mistério: nem a data nem a encomenda estão documentadas de forma segura, e até mesmo sua localização original permanece incerta. O que é claro é a fascinação que ela manteve por séculos, não menos porque sua composição se afasta radicalmente das convenções da arte religiosa do Renascimento.

Alguns especularam que esta pintura foi destinada à devoção privada em vez de exibição pública, dada sua escala íntima e a emoção crua que transmite. A cena captura o momento após a Crucificação, enquanto o corpo sem vida de Cristo é lamentado. Ao contrário das grandes procissões de outras Lamentações, aqui o foco se estreita: o corpo de Cristo, pálido e alongado, é sustentado por uma figura cuja dor é palpável, cujas mãos acariciam ternamente sua cabeça e torso. O fundo é esparso, direcionando o olhar para as formas entrelaçadas e a pose antinatural, quase sem peso, de Cristo, um contraste marcado com o realismo fundamentado do Cristo morto de Mantegna.

As cores frias e luminosas e a drapeada em espiral intensificam a sensação de tristeza sobrenatural, enquanto a ausência da cruz ou da paisagem elimina as distrações narrativas, deixando apenas o drama humano da perda. A jornada de Cristo morto através da história é tão enigmática quanto seu sujeito. Sem registros sobreviventes de sua propriedade inicial, a pintura foi frequentemente atribuída a diferentes períodos da carreira de Pontormo, refletindo seu estilo em evolução desde a influência de Andrea del Sarto até a expressividade idiossincrática de seus anos posteriores. Hoje, é reconhecida como um exemplo chave do Manierismo, marcada por sua ousada composição e intensidade emocional.

Embora a procedência da pintura permaneça incompleta, sua poderosa presença garante seu lugar entre as obras mais discutidas de Pontormo, convidando os espectadores a confrontar tanto o mistério de sua criação quanto a força duradoura de sua visão.