Quando São Lourenço deixou o estúdio de Francisco de Zurbarán em 1638, era uma das várias representações monumentais de santos destinadas à igreja do Mosteiro de San Lorenzo de El Escorial, a fundação real dedicada ao próprio mártir que retrata. A comissão foi tanto um tributo quanto um gesto político: o rei Felipe IV buscava reforçar a conexão entre a monarquia espanhola e o martírio católico. A versão de Zurbarán se destaca entre muitas representações pela monumental solidão do santo, apresentando-o não em meio às chamas do martírio, mas em um momento de triunfo espiritual. São Lourenço foi diácono em Roma, martirizado em 258 d.C.

por se recusar a entregar os tesouros da Igreja ao imperador. Zurbarán o captura no limiar de sua provação, vestido com a rica dalmática de seu ofício, segurando a grelha na qual será queimado vivo. O olhar do santo se eleva em direção ao céu, sua mão direita levantada em um gesto de aceitação e fé, enquanto a forte luz que entra esculpe sua figura a partir da escuridão atrás.

Ao contrário do mais dramático São Lourenço de Tiziano em Veneza, o santo de Zurbarán está sozinho, o drama é interno, sua fé é apresentada como uma presença física e quietude. A jornada da pintura após sua criação é menos documentada do que sua comissão real. Ela permaneceu em El Escorial por séculos, admirada por sua gravidade e realismo, e mais tarde entrou para a coleção do Prado, onde hoje está pendurada como um exemplo primoroso da arte espanhola da Contra-Reforma. São Lourenço marca um ponto alto na carreira de Zurbarán, um período em que ele era procurado por sua capacidade de dar aos santos a solidez e dignidade de homens vivos.

A clareza e contenção da obra a tornaram um marco para entender como os pintores espanhóis do século XVII moldaram a devoção religiosa através da arte.