Em 1815, Francisco de Goya pintou a si mesmo em um momento em que seu mundo estava mudando: as Guerras Napoleônicas haviam terminado, Fernando VII foi restaurado ao trono espanhol, e Goya—surdo, envelhecido e politicamente desiludido—voltou seu olhar para dentro. O que torna este autorretrato notável é que ele foi pintado não para um patrono ou uma comissão pública, mas aparentemente para si mesmo, em um momento em que tanto a carreira quanto a saúde de Goya estavam em risco. Ao contrário de seus autorretratos anteriores, mais formais, esta obra é frequentemente citada como uma rara janela para a luta privada do artista com sua própria mortalidade e legado. Goya se apresenta sem adulação, com traços marcados pelo cansaço e pelo peso da experiência.

O olhar direto e quase desprotegido do artista encontra o espectador, seu rosto meio à sombra, lábios apertados, e o fundo despojado de toda distração. A pincelada é solta, a paleta sombria—tons de cinza, tons terrosos e um leve toque de vermelho na gola. Não há sinais de ferramentas artísticas ou símbolos de status; em vez disso, o foco está na presença psicológica do retratado.

Em contraste com os últimos autorretratos de Rembrandt, que frequentemente incluem as ferramentas do ofício do pintor, a imagem de Goya é reduzida ao essencial, tornando a confrontação com o eu ainda mais aguda. O meio preciso desta pintura permanece incerto, uma vez que os registros do período são incompletos, mas acredita-se geralmente que seja óleo sobre tela. Sua história inicial não está bem documentada; não há registro de uma comissão ou de uma exposição inicial, sugerindo que pode ter permanecido na posse de Goya ou com sua família por algum tempo. Hoje, a pintura está no Museu do Prado, onde se ergue como um marco para entender a evolução da arte de Goya, de pintor da corte a cronista da condição humana.

Este autorretrato marca um ponto de virada, unindo a persona pública do artista e as ansiedades privadas que viriam a dominar suas obras posteriores.