Quando Paul Gauguin pintou A Mãe do Artista em 1890, ele já era uma espécie de exilado, afastado de sua família e do mundo da arte em Paris, e recém-chegado à Bretanha. O que torna esta obra notável é que Gauguin a pintou não da vida, mas a partir de uma fotografia de sua mãe, Aline Chazal, que havia morrido quase vinte anos antes. Este ato de evocar a memória através da arte é uma rara instância em que Gauguin, tão frequentemente associado a temas exóticos e terras distantes, voltou seu olhar para dentro, em direção às suas próprias origens.

Assim, a pintura se ergue como uma ponte entre a inquieta busca de significado do artista e seu sentido pessoal de perda. No retrato, Aline Chazal está sentada ereta, seu olhar é firme, mas distante, com as mãos cruzadas em seu colo. O ambiente é espartano, o fundo achatado à maneira do Pós-Impressionismo, com cores suaves e amplos pinceladas deliberadas que lembram gravuras japonesas, uma influência frequente em Gauguin. A luz cai suavemente sobre seu rosto, destacando tanto a dignidade quanto a reserva de sua expressão.

Ao contrário da exuberante sensualidade das obras tahitianas posteriores de Gauguin, aqui a emoção é contida, filtrada através da memória e do anseio. A composição compartilha uma introspecção silenciosa com A Mãe de Whistler de James McNeill Whistler, no entanto, a abordagem de Gauguin é mais íntima, quase confessional, como se buscasse a reconciliação com seu próprio passado. O meio exato de A Mãe do Artista permanece incerto, e sua história inicial não está bem documentada, o que é incomum para uma obra de Gauguin. Sabe-se que a pintura foi criada durante um período de profunda agitação pessoal, pouco antes de sua primeira viagem a Tahiti.

Ao longo dos anos, passou por coleções privadas e apareceu ocasionalmente em exposições que exploram os anos formativos de Gauguin. Hoje, é valorizada não apenas como um retrato raro em sua obra, mas também como um testemunho da conexão duradoura do artista com sua família, mesmo enquanto buscava escapar dela.