Als Rast am Brunnen zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur Auktion kam, entbrannte eine lebhafte Debatte unter Kennern über seine Zuschreibung: War dieses frühe Werk wirklich von François Boucher oder von einem fähigen Nachfolger? Die verspielte Behandlung des Landlebens in dem Gemälde, so anders als der spätere, opulentere Rokoko-Stil, der Boucher berühmt machte, ließ einige zweifeln. Doch eine sorgfältige Untersuchung der Pinselstriche und der Komposition überzeugte die meisten Experten, dass es sich tatsächlich um ein authentisches Stück aus den prägenden Jahren des Künstlers handelte, etwa 1730, als er gerade begann, in Paris Fuß zu fassen. Die Szene fängt einen flüchtigen Moment der Ruhe ein: Eine junge Bäuerin, mit einem Krug in der Hand, hält an einem Steingraben an, ihr Blick trifft den eines nahe ruhenden Hirten.

Das üppige Laub, die zarten Blumen und das sanfte Spiel des Lichts auf ihren Gesichtern verwandeln diesen einfachen Akt in eine sanfte Feier der ländlichen Unschuld. Die gesenkten Augen der Frau und die entspannte Haltung des Hirten deuten auf eine stille Intimität hin, während die verstreuten Werkzeuge und Tiere in der Nähe die Szene im Alltag verankern. Im Gegensatz zu den großartigen mythologischen Werken von Nicolas Lancret oder Jean-Baptiste Pater wählt Boucher hier, das Gewöhnliche zu erheben und deutet auf die Freuden und die Würde des Landlebens hin. Der genaue Mäzen von Rast am Brunnen bleibt unbekannt, aber solche Szenen pastoralem Vergnügens waren in den 1730er Jahren bei Pariser Sammlern sehr gefragt, die nach Bildern suchten, die Fantasie und Realität vermischten.

Die Reise des Gemäldes durch private Hände—manchmal falsch attribuiert, manchmal gefeiert—spiegelt die sich wandelnden Geschmäcker seiner Zeit wider. Heute steht es als frühes Zeugnis für Bouchers Fähigkeit, selbst das bescheidenste Thema mit Charme und Vitalität zu erfüllen, und ahnt die verspielte Eleganz voraus, die später die Rokoko-Bewegung definieren würde.