Kein anderes Werk von Rosso Fiorentino hat unter Kunsthistorikern so viel Debatte ausgelöst wie Sitzende Frau mit Kindern (Caritas); Äste oben rechts. Über Jahrhunderte hinweg entzogen sich ihr Datum, Zweck und sogar ihr Medium den Wissenschaftlern, was sie zu einem Bezugspunkt für Diskussionen über Zuschreibung und die sich verändernden Grenzen des Manierismus machte. Das Thema Caritas—Nächstenliebe, die höchste der theologischen Tugenden—war in der Renaissance in Florenz sehr beliebt, doch Fiorentinos Interpretation ist ungewöhnlich intim und rätselhaft.

Einige haben spekuliert, dass das Gemälde als privates Andachtsbild gedacht war, während andere es als Studie für einen größeren Altar betrachten, der nie verwirklicht wurde. Im Zentrum der Komposition sitzt eine Frau, gelassen und doch wachsam, deren Arme sanft zwei Kinder umschließen, die sich eng an sie drücken. Die Gesten der Kinder—eines klammert sich fest, das andere greift nach oben—fangen die duale Natur der Nächstenliebe ein: sowohl nährend als auch aspirativ. Die Äste oben rechts, ein Detail, das einzigartig für diese Version ist, könnten den Baum des Lebens symbolisieren oder auf den schützenden Aspekt der mütterlichen Liebe hinweisen.

Fiorentinos kühne Konturen und saure Farbharmonien heben dieses Werk von den ruhigeren Caritas-Szenen von Andrea del Sarto ab, deren Figuren Ruhe ausstrahlen, während Fiorentinos mit nervöser Energie und psychologischer Tiefe aufgeladen sind. Der seitliche Blick der Frau und die unruhigen Bewegungen der Kinder deuten auf einen Moment hin, der zwischen Fürsorge und Unsicherheit schwebt. Die frühe Geschichte des Gemäldes bleibt unklar, ohne überlieferte Aufzeichnungen über Auftrag oder ursprünglichen Standort. Sein Stil und seine Ikonographie verorten es fest in Fiorentinos florentinischer Periode, bevor er in den 1530er Jahren nach Frankreich aufbrach.

Im Laufe der Zeit wurde Sitzende Frau mit Kindern (Caritas) verschiedenen Händen zugeschrieben, doch der Konsens erkennt es nun Fiorentino zu, teilweise dank technischer Studien, die es mit seinen dokumentierten Werken vergleichen. Heute wird das Gemälde als ein Schlüsselbeispiel des frühen Manierismus anerkannt, das den experimentellen Geist widerspiegelt, der Fiorentinos spätere Karriere prägen würde. Sein Weg von der Unbekanntheit zur akademischen Aufmerksamkeit spiegelt das Schicksal seines Schöpfers wider—eines einst überschatteten Künstlers, der nun für seine unermüdliche Erfindung gefeiert wird.