Im letzten Jahr seines Lebens malte Rembrandt van Rijn sich selbst als den antiken griechischen Maler Zeuxis, eingefangen in einem Moment des Lachens. Dieses Selbstporträt sticht nicht nur durch seinen Humor hervor, sondern auch durch sein Timing: Rembrandt, der sich der Insolvenz und persönlichen Verlusten gegenübersah, wählte es, eine Figur zu verkörpern, die dafür bekannt ist, an ihrem eigenen Kunstwerk zu sterben. Kein anderes Selbstporträt von Rembrandt umschmeichelt so offen das Absurde, was Gelehrte dazu bringt zu debattieren, ob dies ein Akt des Widerstands, der Ironie oder der Akzeptanz angesichts der Sterblichkeit war. Die Geschichte, die Rembrandt auswählt, ist die von Zeuxis, der in der Antike berühmt war für das Malen von so überzeugenden Trauben, dass Vögel versuchten, sie zu picken, und der, laut Legende, beim Malen einer alten Frau, die als Modell für Aphrodite engagiert wurde, lachend starb.

Hier kneifen Rembrandts Augen und sein Mund öffnet sich zu einem breiten Grinsen, sein faltiges Gesicht lebendig vor Vergnügen. Das Spiel von Licht über seine Züge betont die tiefen Linien des Alters, während seine Hand, die einen Pinsel hält, so positioniert ist, als wäre sie mitten in einer Geste. Im Gegensatz zu den ernsteren Selbstporträts von Artemisia Gentileschi ist Rembrandts Ansatz selbstironisch und theatralisch, was die Zuschauer einlädt, den Witz zu teilen und vielleicht über die Torheit künstlerischer Ambitionen nachzudenken. Die genaue Provenienz von Selbstporträt als lachender Zeuxis ist ungewiss, ebenso wie sein ursprünglicher Mäzen — falls es überhaupt einen gab.

Viele von Rembrandts späten Selbstporträts blieben bei seinem Tod 1669 in seinem Atelier und zirkulierten durch Sammlungen in Amsterdam, bevor sie in öffentliche Hände gelangten. Heute befindet sich das Gemälde im Wallraf-Richartz-Museum in Köln. Es ist eines der letzten in einer langen Reihe von Selbstporträts, und sein komischer, unbefangener Ton markiert einen Bruch mit der introspektiven Schwere seiner früheren Werke.

Dieses Gemälde steht als Zeugnis für Rembrandts Bereitschaft, sowohl seine Kunst als auch seine eigene Menschlichkeit mit Witz und Offenheit zu konfrontieren, selbst am Ende seines Lebens.