Am Heiligabend 1888 verstümmelte Vincent van Gogh berühmt sein eigenes Ohr in Arles, Frankreich – ein Moment, der zu einem der meistdiskutierten Vorfälle in der Kunstgeschichte geworden ist. Nur wenige Wochen später, im Januar 1889, malte er Selbstporträt mit verbundenem Ohr, in dem er die Folgen seiner Krise mit unerschütterlicher Ehrlichkeit konfrontiert. Das Gemälde ist nicht nur ein Dokument physischer Verletzungen, sondern auch ein Zeugnis von van Goghs Kampf mit psychischen Erkrankungen, die seine letzten Jahre überschatteten.

Das Ereignis markierte das abrupte Ende seiner turbulenten Freundschaft mit Paul Gauguin, der Arles in der Nacht des Vorfalls verließ. Das Selbstporträt steht als direkte Antwort auf diese persönliche Katastrophe, gemalt während van Goghs Genesung in seinem gelben Haus. In dem Gemälde wendet sich van Gogh dem Betrachter zu, sein Kopf ist in einen dicken weißen Verband gehüllt, der sein verletztes Ohr bedeckt. Er trägt einen schweren grünen Mantel und einen mit Pelz gefütterten Hut, die winterliche Kälte im Süden Frankreichs ist in seiner Kleidung spürbar.

Hinter ihm verankern eine Staffelei und ein japanischer Druck – Objekte, die sich in seinem echten Atelier befanden – die Szene in der Welt der Malerei und den Einflüssen, die er schätzte. Der Verband ist nicht verborgen, sondern wird als zentrales Merkmal seines Erscheinungsbildes präsentiert, während sein Blick sowohl misstrauisch als auch entschlossen ist. Im Gegensatz zu Rembrandts Selbstporträts, die oft Selbstbewusstsein oder Resignation ausstrahlen, scheinen van Goghs Augen nach Bestätigung zu suchen und fangen einen Moment zerbrechlicher Entschlossenheit ein. Die Reise des Gemäldes war ruhiger als sein Thema: Es blieb nach dem Tod des Künstlers bei van Goghs Bruder, Theo van Gogh, und wechselte später durch mehrere Privatsammlungen.

Heute hängt es in der Courtauld Gallery in London, wo es als eines von van Goghs kraftvollsten Selbstporträts angesehen wird. Geschaffen in einer der schwierigsten Phasen seines Lebens, markiert es das Ende seiner Hoffnungen auf eine Künstlergemeinschaft in Arles und den Beginn seines letzten, intensiv produktiven Jahres. Die rohe Ehrlichkeit und Direktheit des Werks haben es zu einem Bezugspunkt für Diskussionen über die Biografie des Künstlers und die Beziehung zwischen Kreativität und Leiden gemacht.