En la víspera de Navidad de 1888, Vincent van Gogh mutiló su propia oreja en Arles, Francia, un momento que se ha convertido en uno de los incidentes más discutidos en la historia del arte. Solo unas semanas después, en enero de 1889, pintó Autorretrato con oreja vendada, enfrentando las secuelas de su crisis con una honestidad inquebrantable. La pintura no solo es un registro de una lesión física, sino también un testimonio de la lucha de van Gogh con la enfermedad mental, que marcaría sus últimos años.

El evento marcó el abrupto final de su turbulenta amistad con Paul Gauguin, quien dejó Arles la noche del incidente. El autorretrato se erige como una respuesta directa a esta catástrofe personal, pintado mientras van Gogh se recuperaba en su casa amarilla. En la pintura, van Gogh se vuelve hacia el espectador, con la cabeza envuelta en un grueso vendaje blanco que cubre su oreja herida. Lleva un pesado abrigo verde y un sombrero forrado de piel, el frío invernal del sur de Francia palpable en su atuendo.

Detrás de él, un caballete y una impresión japonesa —objetos que se encontraban en su verdadero estudio— anclan la escena en el mundo de la pintura y las influencias que atesoraba. El vendaje no está oculto, sino presentado como el hecho central de su apariencia, mientras que su mirada es tanto cautelosa como decidida. A diferencia de los autorretratos de Rembrandt, que a menudo proyectan confianza o resignación, los ojos de van Gogh parecen buscar una reafirmación, capturando un momento de frágil determinación. El viaje de la pintura ha sido más silencioso que su tema: permaneció con el hermano de van Gogh, Theo van Gogh, tras la muerte del artista, y luego pasó por varias colecciones privadas.

Hoy, cuelga en la Courtauld Gallery de Londres, donde se considera uno de los autorretratos más poderosos de van Gogh. Creada durante uno de los períodos más difíciles de su vida, marca el final de sus esperanzas por una comunidad de artistas en Arles y el comienzo de su último y intensamente productivo año. La cruda honestidad y la directividad de la obra la han convertido en un punto de referencia para las discusiones sobre la biografía del artista y la relación entre la creatividad y el sufrimiento.